Julian Charrière wird 1987 in Morges im Kanton Waadt geboren und schon als Teenager hat er sich das unkonventionelle Berlin als „seine  Stadt“ ausgesucht. Er studiert an der Akademie der Schönen Künste, zunächst bei der Konzeptkünstlerin Christiane Möbus. Dann bekommt er einen Platz bei Olafur Eliasson in seinem Institut für Raumexperimente,  der heute sehr bekannte Julius von Bismarck ist sein Kommilitone. Bei dem isländischen Allroundkünstler lernt man einen viel weiteren Begriff von Kunst kennen, und im Mittelpunkt steht oftmals die Natur.

Bei Charrière wird die alte Liebe für die Natur wird geweckt, da er ähnlich wie Eliasson in einer markanten Landschaft aufgewachsen ist. Bei der aktuellen Ausstellung „Midnight Zone“ geht um die tiefsten Tiefen des Ozeans.  Seine Liebe zum Tauchen und die Suche nach einer Umgebung, die jenseits menschlicher Erfahrung liegt. Dazu gehört die  „Midnight-Zone“,  der absolut lichtfreie Bereich in einer Meerestiefe ab 1000 Metern.  Dort wo ein tiefes Blau in die absolute Dunkelheit übergeht,  lässt sich aber nur mit einer Hilfe einer Fesnellinse erleben, die von einer Kamera umkreist wird.

Eigens für die Ausstellung in Wolfsburg wird en achteckiger Glaskubus installiert, um  das Erlebnis für den Besucher darzustellen. In seinem Zentrum dreht sich eine Laterne mit einer Fresnellinse

Dabei kann man der Politik nicht ausweichen, denn die Habgier hat längst die größten Tiefen des Meeres erreicht. Bisher gilt der Klimawandel für die Erdoberfläche, aber mit dem Reichtum an polymetallischen Knollen scharren die Industriestaaten schon lange mit den Füßen.

Ein Warenautomat zeigt fossilisierte Ammoniten, das sind urzeitliche Wesen, die über Millionen von Jahren zu Stein verdichtet wurden. Lädt ein zum Konsum und sollte eine Warnung sein, die Tiefsee auszubeuten.

Ein Eyecatcher in ihrem schimmernden Braunschwarz ist die Arbeit „Coalface“, das ist Anthrazitkohle zu einem Spiegel poliert. Die Kohle, einst ein Hoffnungsträger für eine glänzende Zukunft, ist heute faktisch ein No go.  Die Lampe schafft ein Spannungsfeld von Brennstoff und Verbrennung.

Für die „Blue Fossil Entropic Stories“  reist Julian Charriere 2013 nach Island und klettert auf einen Eisberg.  Während 8 Stunden versucht er mit einer Gasflamme den Eisberg zum Schmelzen zu bringen. Es zeigt den Versuch des Menschen gegen die übermächtige Natur.

Eigentlich ist es ein absurder Zustand, dass ein Brunnen, Inbegriff des Wassers, in hellen Flammen brennt. Dabei sieht man heute in der Beherrschung des Feuers den Beginn der Zivilisation. Nicht weniger wichtig ist natürlich die Kontrolle des Wassers, denn es verspricht Leben und Handel. Mit der Gletscherschmelze und der drohenden Verknappung an Grundwasser bleibt die Frage des Überlebens.

Es ist ein Mosaik aus 49 Einzelvideos und zwingt den Betrachter zu einem intensiven Studium. 2109 filmte Julian Charrière den Boden in der Tiefsee und zeigt uns unsere Hinterlassenschaften. Als unnütz weggeworfen kann unser Zivilisationsmüll kann er Meerestieren als neues Zuhause dienen.

Den Abschluss der Ausstellung bildet Albedo, 2025 in den arktischen Gewässern von Grönland gefilmt. Im Mittelpunkt stehen schmelzende Eisberge und Gletscher. Für den Besucher wurde die Welt umgedreht, denn das Video hängt an der Decke und bequeme Kissen laden zum Hinlegen. Als Geräusche hört man die Gesänge der Wale.

Die Ausstellung „Midnight Zone “ ist bis zum 12. Juli im Kunstmuseum Wolfsburg zu sehen. Sehr informativ zu diesen komplexen Themen ist ein eleganter Katalog, dort kann man auch ein Interview zwischen den Künstler Julian Charrière und den beiden Direktoren Andreas Beitlin (Kunstmuseum Wolfsburg) und Roland Wetzel (Tinguely Museum) lesen.  www.kunstmuseum.de  

Die Ausstellung „A Thousand Worlds“ von Julian Charrière in einem typischen Engadiner Haus. www.galerie-tschudi.ch

Speziell für die Ausstellung im Kunstmuseum Wolfsburg wird ein begehbarer achteckiger Glaskubus geschaffen, in dessen Zentrum sich eine Laterne mit einer . Fresnellinse dreht.

Viele seiner Werke sind Ergebnisse verschiedener Expeditionen rund um die Welt, bei denen er sich auf Orte konzentriert, die besonders von der Menschheit und ihrer zerstörerischen Kraft in Mitleidenschaft gezogen wurden oder werden.^[11] Zu den von Charrière besuchten Orten gehören beispielsweise das Semipalatinsk-Testgelände, und sein amerikanisches Pendant, das Bikini-Atoll auf den Marshallinseln.^[12][13] Auf den beiden Reisen entstanden eine Reihe von Fotografien, die die desolaten Überreste der Orte dokumentieren. Einer seiner technischen Ansätze war dabei die fotografische Entwicklung auf analogem Film, der mit nuklearem Material belichtet wurde. Da

seinem Werk Metamorphism^[8] interpretierte der Künstler diese Idee neu, indem er Elektroschrott mit künstlicher Lava verschmolzen und in scheinbar natürlich entstandene Felsen gegossen hat. Die technologischen Geräte kehren so im Wesentlichen zu den Rohstoffen zurück, aus denen sie einst hergestellt wurden.^[9] Dieses Projekt ist eine von mehreren skulpturalen Serien, in denen Charrière sowohl natürliche als auch von Menschenhand geschaffene Materialien verwendete, um einen physischen Kommentar zur zunehmend digitalisierten Welt zu schaffen.

Die Libanesin Huguette Caland leidet  unter dem Schicksal vieler Künstlerinnen, erst im hohen Alter und noch vielmehr nach dem Tod 2019 zu einem Namen  in der internationalen Kunstszene zu werden, als Pionierin der sexuellen Befreiung gefeiert und ist notabene heute in vielen Museen vertreten. Nun zeigen die Deichtorhallen ihre erste Retrospektive in Deutschland und es ist wahrhaft ein perfekter erster Aufschlag.

Es warten 300 Werke, eingeteilt in 10 Kapitel,  und da zuckt so mancher und stellt sich auf einen „hardcore“ Museumsbesuch ein.  Aber nein, die frischen Farben in feinen Nuancen, die originellen und charmanten Sujets, die unbekümmerte Annäherung  an das Sexuelle und den Körper. Also hinein, es lohnt sich!

Huguette Caland hat sich ein Dasein als Malerin hart erkämpft. 1914 in Beirut geboren, als Tochter des ersten libanesischen Präsidenten, damals noch unter französischem Protektorat, ist ihr Leben in der christlichen Oberschicht eigentlich vorgezeichnet. 1921 heiratet sie den Franzosen Pierre Caland und das Paar  bekommt 3 Kinder. Obwohl sie schon viele Stunden in ihrem Malstudio auf dem Familiensitz verbringt,  entscheidet sie nach dem Tod des Vaters, nur noch Malerin zu sein.  1970 geht sie ohne Mann und Kinder nach Paris, 1989 nach Kalifornien und kehrt 2013 nach Beirut zurück, um 6 Jahre später in ihrer Heimat zu sterben.

Huguette Caland gilt als erste arabische Malerin, die das weibliche Begehren auf die Leinwand bannt und dabei benutzt ausschließlich ihren eigenen Körper, der in allen Facetten dargestellt wird. Weit entfernt von Model -Maßen, wird das ganze Bild von dem Sujet ausgefüllt. Ihre unbekümmerte Art, angesichts omnipräsenter Körper im Photoshop poliert, kann nur begeistern.

Ihre Kaftane sind eine Provokation in der arabischen Welt. In den 1970er Jahren beauftragte Caland den libanesischen Schneider Mohammad Atar  mit der Bestickung von Kaftane, die Muster stammen von ihren Gemälden. Dieser Auftrag dürfte ihm sicherlich sehr peinlich gewesen sein

„A life in few lines“ ist das Thema der Ausstellung und das Motto der Kosmopolitin, die fließend arabisch, französisch und englisch spricht. Die Linie“ Einfangen und wieder loslassen“  für sie der Lebensinhalt. Ende der 1970er Jahre entsteht  „Cobra“  ein eigenes Alphabet aus Linien, Punkten, Kurven, und gewundenen Formen. Gedanken an die arabische Kalligraphie.

Mit einer Reise ins französische Limousin wird  mit „Epaces blancs “  ein neues Kapitel aufgeschlagen. „Landschaften seien wie Körper“ meint Huguette Caland..  Auch später, in den 1980er Jahren greift sie ihren Gedanken wieder auf und es entstehen zauberhafte Gemälde wie Venice.

Es ist auch ein Weg zu ihren großformatigen teppichähnlichen Werken, eine Erinnerung an ihr Elternhaus, wo die Wände, nach Landessitte,  mit Teppiche verkleidet waren. Die Leinwände werden in der Waschmaschine eingefärbt und dann mit Details versehen, wie auch Kreuzstich, eine Reminiszenz an die Stickarbeiten ihrer Mutter.

Immer war Huguette Caland ein politischer Mensch, kein Wunder bei dieser Familie, doch selbst bei sehr ernsten Themen wie die unsägliche Situation ihrer Heimat im Bürgerkrieg von 1975-1990 oder die nie endende Problematik zwischen Christen und Muslims zeigen die Werke immer noch duftige Farben, sieht man die Grausamkeit wie bei „Guerre incivile“ oder die Tragik des fast schon verspielten Gemälde „Tarek el Sham“, das die Teilung der Konfessionen zeigt.

Dann sollte man einen Abstecher ins Restaurant Berliner Bahnhof machen, drinnen und draußen wartet eine interessante Karte.

Die Ausstellung Huguette Caland – a Life in a few Lines“ ist bis zum 26.April zu sehen. Zur Information gibt es einen Audioguide, einen schönen Katalog aus dem Distanz Verlag und hörenswerte Podcasts.  www.deichtorhallen.de   

Beide haben ihre Emotionen auf die Leinwand gebannt, dabei geht Maria Lassnig einen Schritt weiter. Sie zeigt die Gefühle an ihrem eigenen Körper während Munch seine Empfindungen an Menschenszenen abarbeitet. Das Gemälde des „Der Kuss“, ist weltberühmt geworden, weil sich jeder in diese Angst hinein versetzen kann.

Die mühsame Eroberung der Kunstszene mussten sich beide auf ihre Fahnen schreiben. Da war man 1892  gezwungen, die erste Ausstellung des Norwegers Edvard Munch in Berlin zu schließen. Die Besucher waren entsetzt, solch expressive Malerei hatte man noch nie auf Leinwand gesehen. Heute gilt der „Munch – Skandal“ als die Geburtsstunde der Moderne in Deutschland. 

Die Österreicherin Maria Lassnig wird gut 50 Jahre später geboren, verbringt ihre Jugend in Klagenfurt und muss sich zunächst in ein kurzes Dasein als Lehrerin fügen. Dann ein akademischer Malstudium in Wien, das sie als fügsame Schülerin unter den NS-Regime überlebt, kehrt sie 1945 nach Klagenfurt zurück und erlebt plötzlich ihre Heimat mit Surrealismus, Informal, Expressionismus, dann Pop und Popart. 1947 lernt sie Arnulf Rainer kennen und 1951 gehen sie beiden nach Paris. Mit einem Stipendium kann sie dort arbeiten, dann weiter New York und schließlich Berlin kann sich ihr Talent mit allen Facetten entfalten. Doch erst als alte Frau kommen großer Jubel und zahllose Ehrungen.

Es entstehen die „Körpergefühlsmalereien“, die nichts von ihrer Eindringlichkeit verloren haben. Diese schonungslosen Pinselstriche in pastelliger Farbgestaltung besitzen eine magische Anziehungskraft und zeigen eine krasse Realität. Diese Direktheit dürfte Maria Lassnig an Edvard Munch begeistert haben.

Dieses Sujet erinnert unwillkürlich an Edward Hopper. Personen, die immer in die Ferne schauen, dabei traumverloren wirken. Durch die Nacktheit ist bei Lassnig die Wahrnehmung noch viel eindrücklicher.

Als Pionier der Moderne trumpft der Norweger, immer mit dicker Farbe und starken Motiven. Farbe als Träger von Emotionen, die nicht in Worte zu fassen sind.  So müssen Maria Lassnig und Edvard Munch malen, um sie überleben. 

Für beide spielt der Tiger eine dominante Rolle. Für Maria Lassnig ist “ jeder Mann ein Tiger“,  ein animalischer Akt aber auch die Wahrnehmung vor Andersartigkeit.

Bei Edvard Munch ist der Tiger eher ein Symbol für die Eifersucht und starke Rivalität.

Die Ausstellung „Maria Lassnig und Edvard Munch – Malfluss ist gleich Lebensfluss“  ist bis zum 30. August in der Hamburger Kunsthalle zu sehen.  Für Informationen gibt einen Audioguide, einen Katalog aus dem Distanz Verlag, neben zahlreichen Führungen und Vorträge. www.hamburger-kunsthalle.de  

Nun zeigt das Muzeum Susch im Unterengadin, unweit von Scuols, die erste Retrospektive von Edita Schubert außerhalb des ehemaligen Jugoslawiens, und es ist wie  bei allen Ausstellungen in Susch, ein Erlebnis. Also die Reise für „Profusion“  lohnt sich.

1947 im Osten Kroatiens geboren, beginnt Edita 1971 mit der Realisierung ihrer künstlerischen Ideen. Dabei hat sie als Tochter einer Italienerin und eines Deutschen  quasi das Kulturgut des Habsburger Reiches in ihren Adern.

Das übergroße Gemälde ist die Treppe zu ihrem Arbeitsplatz,  genauso wie „doorway“ , die Türen, gemalt auf Leinwand in weichen Pastelltönen und an Schnüren aufgehängt. Während ihres gesamten Lebens, sie starb 2001 an einem Krebsleiden,  sicherte ihre Arbeit als Zeichnerin den finanziellen Rückhalt. Auch gibt es in Jugoslawien nur einen fragilen Kunstmarkt und die zahlreichen Ausstellungen bringen kein Geld.

Die Arbeiten von Edita Schubert ist so vielfältig. dass man kaum glauben kann,  es mit einer einzigen Künstlerin zu tun zu haben. Bekannte Kunstrichtungen bringt sie in einen neuen Kontext und kann die zeitgenössische Szene auf  spannende Weise bereichern.

Das Haus von Albrecht Dürer als multiple zeigt die kreative und unbekümmerte Art, aus vielen Dingen ein Kunstwerk zu machen. Es lebe Marcel Duchamp. So werden   Fotografien, Zeichnungen und Gemälde fotokopiert, dann die Originale entsorgt und fortan die Photokopien als Kunstwerk apostrophiert.

Die Teilnahme an der Biennale in Venedig 1982, gibt Edita einen Einblick in die internationale Kunstszene und es entstehen Gemälde mit öligen Pastellkreiden in Trapezform.

Privat ist Edita Schubert ein scheuer Menschen, verweigert Interviews, gibt ihren Sujets nur knappe Titel. Ein wenig Einblick bieten ihre Selbstporträts, eine Meditation über das Leben, seine  Veränderung und die Sterblichkeit. Wie ein Fries umrahmen Barcodes diese Installation, eigentlich ein Synonym von Klassifizierung.

Die Ausstellung ist bis zum 24. Mai 2026 zu sehen,  ein Katalog in englischer Sprache ist im Hatje Cantz Verlag erschienen.

Das Museum Susch war eine Klosteranlage aus 12. Jahrhundert, dann auch eine Brauerei. Mit der Eröffnung 2019 als Privatmuseum, nach aufwendigen Restaurierung unter der Regie des polnischen Unternehmerin Grazyna Kulczyk, ist es zu einem Mekka von Künstlerinnen aus dem osteuropäischen Raum geworden.

Offensichtlich liebt er das Image eines rumänischen Bauern, der inmitten seiner groben Werkzeuge und Materialen wohnt. Dabei ist er keinesfalls ein selbstverlorener Eremit, sondern versteht sich perfekt als Selbstvermarkter mit einem gut etablierten Netzwerk aus Geldgebern, Künstlerfreunden, Sammler und Galeristen. Doch die ständige Infragestellung seiner Werke, die Abwertung als Kunsthandwerk, lässt ihn viele Male eine weitere Ausstellung ablehnen, verkriecht sich lieber in sein Atelier. Die Nummer 8 ist Werkstatt, Wohnort und Heimat, von 1916  bis zu seinem Tod 1957. Man findet ihn in einem Kreativquartier in der Impasse Ronsin, das damals viel ländlichen Charme mitten in Paris verströmt.

Geboren 1875 im Südwesten Rumäniens, der Kleinen Walachei, flieht er als junger Mann vor der Gewalt des Elternhauses. Es gelingt es ihm, in Craiova und Bukarest Kunst zu studieren, dann macht er sich auf in den Westen. Über Stationen wie München und Wien landet er 1906 im Pariser Bohèmeviertel Montparnasse. Schon in Bukarest hat er von Auguste Rodin und seinen kühnen Skulpturen gehört und es gelingt ihm, bei diesem Bildhauer unterzukommen.  Ein kurzes Glück, denn Brâncusi sieht seine Welt jenseits des Realismus.

Die Suche nach der Essenz.

Schon 1907 verblüfft Brâncusi mit dem Kuss, so ganz anders als das Werk von Auguste Rodin. Das Publikum ist vielfach überfordert und in Deutschland stößt er auf harsche Ablehnung.  Dabei In Kennerkreisen keineswegs unbekannt, so war er 1913 mit 6 rumänischen Kollegen bei der „Internationalen Kunstausstellung“ im Münchner Glaspalast vertreten, dann 1927 in der Hamburger „Europäische Kunst der Gegenwart.  Von der Kritik als Kunstgewerbe abgetan ebenso wie die Arbeiten von Rudolf Belling und Henri Laurens. Auch die Berliner Galerie von Alfred Flechtheim zeigt 1929 zwei Werke von Brâncusi,  der „Torso“ aus Onyx und eine „Schlafende Muse“ aus Gips. Allein die deutsche Avantgarde-Presse hat sein Genie längst erkannt und bejubelt seine Suche nach dem Elementaren.

Großer Erfolg bei Armory Show

1931 wird Brâncusi zur Armory Show eingeladen und New York ist begeistert. Das Erstaunliche, dass er trotz des Erfolges und notabene vieler Freunde, völlig unbeirrt seinen Weg geht.  Niemand kann ihn überreden, sich einer der damals zahlreichen Kunstrichtungen anzuschließen, wie ein Monolith nähert er sich in kleinen Schritten seiner Idee von Kunst.

Es gibt nur wenige Motive

Constantin Brâncusi hat zeitlebens nur wenige Motive geschaffen,  doch daran hat es sich abgearbeitet, immer weiter auf dem Weg der Reduktion. Dazu gehört auch der Vogel, es gibt wohl 30 Versionen, in Marmor, Bronze und Gips. Mit der Zeit werden die Vögel immer schlanker, geradezu fragil und in polierten Erscheinung beinahe außerirdisch.

Auch eine Eigenart von Brâncusi, wenn das Original verkauft ist, gibt es nur mehr Repliken.

Für den Künstler gehört der Sockel zum Kunstwerk und so zeigt die Ausstellung in Berlin auch zahllose Varianten .

Seit 1915  fotografiert Constantin Brâncusi seine Werke, sein Freund Man Ray hat ihn in dieses Metier eingeführt. So sind in seinem Nachlass, den er dem französischen Staat vermacht hat, unzählige Fotografien, Filme, Briefe und sogar Rechnungen. Das Quartier am Impasse Ronsin wird in den 1970er Jahren ein Opfer der Erweiterung des Hôpital Necker und heute kann man die Werkstatt auf dem Vorplatz des Centre Pompidou besuchen, entworfen von Renzo Piano.

Das Atelier mit seinen vielen Werkzeugen durfte zum großen Teil nach Berlin umziehen. Sämtliches Arbeitsgerät  und das Mobiliar hat Brâncusi selbst angefertigt.

Für die Neue Nationalgalerie in Berlin ist es ein Glücksfall,  dass das Centre Pompidou über 5 Jahre renoviert wird und  daher rund 150 Exponate wie Skulpturen, Zeichnungen, Filme und Fotografien nun in Berlin zu sehen sind.  Die Ausstellung ist bis zum 9.August in der Neuen Nationalgalerie Berlin zu sehen. www.smb.museum

Sehr sehenswert ist das Video über Brancusi in der Arte -Mediathek, man erfährt viel über seine rumänische Heimat und seine Kunst im öffentlichen Raum wie das weltbekannte Ensemble târgu jiu  mit dem Tisch des Schweigens, dem Tor des Kusses und der Säule der Unendlichkeit.  Als Auftrag der Frau des damaligen Ministerpräsidenten 1935  errichtet,  soll es an die gefallenen Soldaten des Ersten Weltkrieges erinnern. Ein Versuch in 1950er Jahren, das Ensemble zu zerstören, scheiterte an der mangelnden Kraft des Bulldozers. Heute ein faszinierendes Monument der Avantgarde und ein Publikumsmagnet.

Carl Cheng verweigert sich jeder Einordnung. 1942 in San Francisco als Sohn chinesischer  Eltern geboren, beginnt er in der 1960er Jahren seine künstlerische Laufbahn. Inmitten der politischer Unruhen, einer nach dem Krieg prosperierenden Luftfahrtindustrie und in einer Landschaft, die rasch verändert.

Auf dem langen Gang zur Ausstellung wird der Besucher von der Stimme Carl Chengs empfangen: Nature is everything, Nature always wins, Nature never loses. Schon in den 1960er Jahren nimmt er die Veränderung und den Missbrauch der Umwelt wahr und wird in Diskussion zur fortschreitenden Technologie gesetzt.

Das Museum Tinguely zeigt 60 Jahre künstlerisches Schaffen von Carl Cheng. Geprägt durch die Essener Folkwang Schule (1964 – 65)  und ihrer von Bauhaus stark beeinflussten Vermittlung von Kunst und Gewerbe und der intellektuelle Souveränität von Marcel Duchamp und seinem Alter Ego Rrose Sélavy.

Schon bei den ersten Exponaten stutzt der Betrachter und glaubt an Luftaufnahmen einer ländlichen Gegend mit Feldern und Wiesen, doch es sind Platinen und Nieten auf einer Alu-Platte aufgebracht, Abfall einer Chipfirma.

Ein kurzfristiger Job als Modellbauer bei den Designern Charles und Ray Eames geben ihm das technische Rüstzeug und 1966 gründet seine Firma John Doe Company. Eigentlich sind es steuerliche Erwägungen und die leichtere Beschaffung von industriellen Material, doch es gibt Cheng auch die Möglichkeit, das Kommerzdenken seiner Kollegen in Frage zu stellen. Der Ausgrenzung als Künstler asiatischer Herkunft begegnet er mit dem Namen seiner Firma, denn amerikanischer geht es nicht.

Faszinierend sind seine „Naturmaschinen“. Die drohenden Umweltprobleme vorahnend, können seine Objekte Witterungseinflüsse nachempfinden, als Warnsysteme arbeiten. Doch eigentlich sollen sie das Bewusstsein für die starke Veränderung in unserer Gegenwart schärfen.

In diesen Turm aus Kunststoff ist ein Radio eingebaut, das ständig Wetternachrichten für den Ort sendet. wo es aufgestellt ist. Projektoren zeigen Bilder von Umweltschäden wie Müllhalden oder auslaufendes Erdöl. Der Holzsockel ist von Weizenähren eingerahmt. Es ist seine erste mechanisierte Skulptur und durch seine praktischen Kenntnisse kann er alles ohne fremde Hilfe machen.

Wie ein roter Faden zieht der Gedanke der Vergänglichkeit durch sein Werk. Dazu gehören auch die „Erosion Machines“. Dabei wird Wasser unaufhörlich auf einen Steinkegel gesprüht. Es sind menschengemachte Steine, denn sie enthalten Abfälle aus technologischer Produktion.

In den frühen 1970er Jahren unternimmt Cheng viele Reisen nach Asien, die sein Denken stark stark beeinflussen. Nach dem Ende der Herrschaft von Mao 1979 kann Carl Cheng in die Heimat seiner Eltern reisen. Es entstehen die Scroll Series, die Landschaft wird zu Kunst. Es ist ein Ausschnitt, wie durch den Sucher einer Kamera gesehen.

Mit den 1980er Jahren rückt die Vergänglichkeit wieder in den Fokus, es ist die Zeit der „Art Tools“ und seiner Vorliebe für den öffentlichen Raum. Im letzten Saal der Ausstellung steht das „Santa Monica Art Tool“ , eine gewaltige Betonwalze. Sie wird über Sand gezogen und hinterlässt eine Miniaturstadt, die Cheng “ Walk on LA“ nennt. Der feine Sand ist sehr leicht zu zerstören, der Besucher soll auf die Fragilität seiner Umwelt bewußt werden.

Schon 1979 als Prototyp entwickelt, wird das Art Tool: Rake ständig verbessert, um den superfeinen Sand zu formen. Mit Ende der Ausstellung bleibt nur mehr ein Berg Sand, den wegschaufeln muss.

Es ist eine hoch interessante Ausstellung, die allerdings Zeit verlangt. Eine ausführliche Broschüre gibt viel Einblick in den Werdegang und Ideen von Carl Cheng. Natürlich gibt es auch einen umfangreichen Katalog zum gesamten Schaffen des Künstlers.

Noch bis zum 10.Mai ist Carl Cheng – Nature never loses im Museum Tinguely Basel zu sehen. www.tinguely.ch

Nun ist „The First Homosexuels“ eröffnet und auch hier wird ein unbekannter Aspekt gezeigt. Es gibt wahrhaft kein Mangel an Ausstellungen und Events zu Queerness,  aber das Kunstmuseum widmet sich den Anfängen der Sichtbarmachung. Schon immer sind Gemälde und Fotos in privaten Kabinetten zu finden,  die nie aber den Weg in die Öffentlichkeit finden. Um 1869 taucht der Begriff „homosexuell“ zum ersten Mal im deutschen Sprachraum auf.

Da ist zum Beispiel «La Blanchisseuse», ein Gemälde des Franzosen Pascal Dagnan-Bouveret von 1879. Zu sehen ist ein Männerpaar, das Arm in Arm spazieren geht. Titelgebend ist hier aber nicht das Paar, sondern eine Frau auf einer Parkbank, mit einem Korb und einem Kleiderbündel auf dem Schoss.

Die lesbische Liebe wird im Gegensatz sehr viel diskreter dargestellt und läuft eigentlich unter der Überschrift Freundinnen.  Die Welt will es nicht wissen, dabei gibt es  viele in der Kunstszene, die es zu Ansehen gebracht haben wie die legendäre Sammlerin Gertrude Stein, die Malerin Ottilie von Roederstein, die Dichterin Sarah Bernhardt

Die Ausstellung “ the First Homosexuals, die Entstehung neuer Identitäten 1869 -1939″ ist bis zum 2. August 2026 im Kunstmuseum Basel zu sehen. Zur Information gibt es ein Booklet und einen üppigen Katalog

Marc Bauer – Fear Rage Desiree, Still Standing

Das Kunstmuseum Basel belässt es nicht bei den Anfängen, sondern im Zwischengang sind großformatige Arbeiten von Marc Bauer zu sehen.  Der vielfach ausgezeichnete Schweizer Künstler mit Ausstellungen in renommierten Museen möchte die quere Szene in die Normalität bringen, motiviert durch eigene Erfahrung im Elternhaus und der aktuelle Szene in den USA, wo Queerness wieder in der Schmuddelecke verschwinden soll.2023, mit einer Einladung  des Menil Drawing Institutes in Houston kann Marc Bauer 2023  „Resilience“ vorstellen. 2024 folgt eine Überarbeitung.  Wichtige Schritte seiner internationalen Karriere,  sich der queeren Szene mit ausdrucksstarken Zeichnungen, Fotografien und Videos zu widmen. Oftmals steht Gewalt im Vordergrund.

Dabei interpretiert er oftmals Sujets aus dem Internet, liest wissenschaftliche Texte und wird in Archiven fündig. Das Ergebnis sind oftmals krasse Bildwelten mit großer Anziehungskraft.

Die Gemälde von Marc Bauer entstehen direkt auf  den Wänden des Museums und werden nach einer gewissen Zeit verändert oder zerstört. Die Besucher sind als Zuschauer eingeladen, den Prozess einer Überarbeitung zu verfolgen. Dabei untermalt ein Soundtrack der Berliner Künstlern Sin Maldita und Philipp Hülsenbeck dieses Ausstellung und lässt daraus eine multimediale ‚Installation entstehen.

Die Ausstellung Marc Bauer – Fear Rage Desiree, Still Standing ist bis zum 2.Mai 2027 im Neubau des Kunstmuseums Basel zu sehen.

Natürlich versuchen die  Zeitgenossen, diese magnetische Ausstrahlung seiner Bilder von Cezanne, darunter Claude Monet oder Paul Gauguin.

Zahllose Künstler lassen sich von Cezanne inspirieren. Die Empfindung steht im Vordergrund wie bei der überwältigenden Farbfeldmalerei eines Mark Rothko, dem Action Painting von Jackson Pollock, die Phantasien von Farbe und Form eines Wassily Kandinsky.

Starke Emotionen lösen die Arbeiten von Louise Bourgeois aus, oftmals auch pure Abneigung oder Desinteresse. Die „Spinnen“  sind eines ihrer Markenzeichen geworden.

Die Sammlungspräsentation „Sensations“ ist bis zum 26.April in der Fondation Beyeler zu sehen. Nach den vielen Besuchern vor den Bildern von Cezanne bietet die   Ausstellung „Sensations“ etwas Erholung und mit diesen erstklassigen Arbeiten auch eine große Bereicherung.  www.fondationbeyeler.ch  

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1839 in Aix en Provence geboren, geht Paul Cezanne einen holprigen Weg der mangelnden Anerkennung, um schließlich als viel bewunderter Maler in die Kunstgeschichte einzugehen. Mit dem Tod seines Vaters, der ihn immer unterstützte, muss sich Cezanne nun keine Gedanken über sein Auskommen machen. Mitte der 1880er Jahre kehrt er in seine „Provence“  zurück und lockt mit Gemälden, die jedes Jahr Abertausende von Besuchern in seine Heimat locken.

58 Ölgemälde und 21 Aquarelle bieten ein einmaliges Erlebnis und dürften wahrscheinlich auf diese Weise nie mehr gezeigt werden.  Seien es die rar ausgestellten Kartenspieler oder 14 seiner berühmten Stilleben mit Früchten.

Dabei spielen die Motive bei Cezanne eine untergeordnete Rolle, es sind die Emotionen, die seine Bilder auslösen. Mit dicken Pinselstrichen kommt die Farbe auf die Leinwand und man schaut auf unzählige Schattierungen von Grün, Blau und Braun. Dabei erinnert das Ocker an die Gegend von Roussillon, wo die Erde abgebaut und als Pigment verkauft wurde.

Es sind die Landschaften, die in seinem Spätwerk noch intensiver ansprechen und in unserer Zeit der Hektik mit ihrer unfassbaren Stille und Harmonie wie ein Magnet für die Augen wirken.

Cezanne hatte eigentlich nur wenige Motive,  aber an diesen Themen hat er sich abgerackert und oftmals über Monate an ihrer Ausdruckskraft gefeilt. Man denke nur an seinen Montagne Sainte Victoire, quasi der Hausberg von Aix en Provence, und heute weltbekannt. Zwischen 1880 und seinem Tod 1906 malte er 30 Versionen, in der Ausstellung sind sieben Ölgemälde und etliche Aquarelle zu s,ehen.

Immer bleibt Cezanne seiner Idee treu, Stimmungen zu erzeugen und legt auf Anatomie und Proportion oftmals wenig Wert. Wie in einem  Schlüsselwerk, wo der Arm des „Knaben mit der roten Weste“  viel zu lang ist oder  die „Sieben Badende“  die scheinbar in die Wolken wachsen wollen. Auch bei „Die Kartenspieler“ ist der Körper viel zu groß für die kleinen Köpfe.

Im Anschluss an die Ausstellung wird der Kurzfilm „Cezanne on art 2025“ mit Albert Oehlen gezeigt. Gedreht unter dem Regisseur Oliver Hirschbiegel an den Originalschauplätzen des Montagne Sainte-Victoire und dem Steinbruch von Bibémus.

Die Ausstellung ist bis zum 25.Mai 2026 in der Fondation Beyeler zu sehen. Es gibt einen Audioguide und einen Katalog, erschienen im Hatje Cantz Verlag. www.fondationbeyeler.ch     

Eigentlich sind es drei Maler, die der Moderne  in Deutschland den nötigen Schwung geben: Lovis Corinth, Max Slevogt und Max Liebermann, der stets im Rampenlicht steht. Ist er doch schon Ende des 19.Jahrhunderts eine renommierte  Adresse.

Sein wohlhabendes und intellektuelles Elternhaus erlaubt ihm, 1873 ein Atelier auf dem Montmartre zu mieten, im Herzen des französischen Impressionismus. Doch als Deutscher wird er, nach dem verlorenen Krieg 1871/72, keinesfalls geschätzt.  Er macht Ausflüge in die Szene von Barbizon und verbringt 1874  etliche Monate in holländischen Zandvoort und in dieser Ecke Europas findet Max Liebermann seine Heimat als Maler. Es entstehen lichtdurchflutende Alltagsszenen der „kleinen Leute“  wie 1880 das „Altmännerhaus“ und die berühmte “ Freistunde im Amsterdamer Waisenhaus“.

Inspiriert von lichten Farben der Impressionisten, bekommen seine Motive viel Charmantes, ohne die Realität romantisch zu verklären. Auch gelingt es Liebermann das Licht im geschlossenen Raum einzufangen im Gegensatz zu seinen französischen Kollegen, die nur in der freien Natur malen.  Die französische Kunstpresse ist begeistert. Doch seine traditionellen Wurzeln kann er nur schwer ablegen, er kehrt zu einem „heiteren“  Naturalismus und nach Berlin zurück, wohl bewusst der Widerstände, die auf ihn warten.

In den besseren Kunstkreisen Deutschlands und besonders im Umfeld des Kaisers liebt man die dunkeltonige akademische Malweise, der Alltag der schuftenden Bevölkerung als Gemälde findet kaum Interesse.

1892 kommt es zur Gründung der Berliner Secession als Gegenpol zur konservativen Akademie, doch das reaktionäre Klima des Kaiserreichs spricht von Rinnsteinkunst.  Auch die erste Ausstellung von Edvard Munch 1905  in Deutschland fand keine Gnade in Berlin und musste geschlossen werden.

Doch ein Lichtblick naht mit der Berufung von Hugo von Tschudi als Direktor des Nationalgalerie, der den Impressionismus liebte und mit Liebermann als Berater umgehend nach Paris reiste. Zu gerne hätte man Manets “ Der Wintergarten“ erworben, doch man fürchtete sich vor der Kritik.

Mit dem Maler Liebermann jedoch geht es voran, zu seinem 50. Geburtstag bekommt er einen eigenen Saal in der Nationalgalerie. Dazu die Ernennung zum Präsidenten der Berliner Secession, als seine Sekretäre lassen sich die weltoffenen Galeristen Bruno und Paul Cassirer gewinnen.

Um 1900 ziehen mit Lovis Corinth und Max Slevogt neue Mitglieder der Secession nach Berlin, der erbitterte Widerstand der Akademie gegen die Moderne bricht langsam zusammen.  Allerdings hat das Pflänzchen Deutscher Impressionismus schwache Wurzeln und gehört schon vor Beginn des Ersten Weltkriegs zur Vergangenheit. Es beginnt die Ära des Expressionismus.

Um 1910 wird die Villa am Wannsee das neue Refugium von Max Liebermann und der Garten zu einem Quell zahlloser Gemälde. Die Reisen in die Niederlande sind passé und aus dem Querelen der Berliner Kunstszene hält er raus. Doch auf seinen zugkräftigen Namen kann man nicht verzichten, 1920 wird er Präsident der Berliner Akademie der Künste,  die Berliner Secession ist heillos zerstritten und ohnehin am Ende.

Die Wirren der Weimarer Republik, dazu der zuzunehmende Antisemitismus drehen der Deutschen Moderne die Luft ab. 1933 legt Liebermann alle Ämter nieder, er kann noch wichtige Werke in die Schweiz schaffen und stirbt 1935 in seinem Berliner Haus.  Die deutsche Moderne endet in der Ausstellung „entartete Kunst“ 1937.

Die Ausstellung „Avantgarde. Max Liebermann und der Impressionismus in Deutschland“ ist bis zum 7.Juni im Museum Barberini Potsdam zu sehen. Es gibt einen Audioguide und einen umfangreichen Katalog, erschienen im Prestel Verlag. www.museum-barberini.de  

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