Nun zeigt das Muzeum Susch im Unterengadin, unweit von Scuols, die erste Retrospektive von Edita Schubert außerhalb des ehemaligen Jugoslawiens  und es ist wie  bei allen Ausstellungen in Susch, ein Erlebnis. Also die Reise für „Profusion“  lohnt sich.

1947 im Osten Kroatiens geboren, beginnt Edita 1971 mit der Realisierung ihrer künstlerischen Ideen. Dabei hat sie als Tochter einer Italienerin und eines Deutschen  quasi das Kulturgut des Habsburger Reiches in ihren Adern.

Das übergroße Gemälde ist die Treppe zu ihrem Arbeitsplatz,  genauso wie „doorway“ , die Türen, gemalt auf Leinwand in weichen Pastelltönen und an Schnüren aufgehängt, Während ihres gesamten Lebens, sie starb 2001 an einem Krebsleiden,  sicherte ihre Arbeit als Zeichnerin den finanziellen Rückhalt. Auch gibt es in Jugoslawien keinen Kunstmarkt und die zahlreichen Ausstellungen bringen kein Geld.

Im Muzeum Susch kann man Künstlerinnen aus Mittel- und Osteuropa kennen lernen und ist immer verblüfft, mit welcher kreativen Kraft großartige Werke geschaffen werden und die zeitgenössische Szene auf spannende Weise bereichern.

Das Haus von Albrecht Dürer als multiple zeigt die kreative und unbekümmerte Art, aus vielen Dingen ein Kunstwerk zu machen. Es lebe Marcel Duchamp. So werden   Fotografien, Zeichnungen und Gemälde fotokopiert, dann die Originale entsorgt und fortan die Photokopien als Kunstwerk apostrophiert.

Die Teilnahme an der Biennale in Venedig 1982, gibt Edita einen Einblick in die internationale Kunstszene und es entstehen Gemälde mit öligen Pastellkreiden in Trapezform

Privat ist Edita Schubert ein scheuer Menschen, verweigert Interviews, gibt ihren Sujets nur knappe Titel. Ein wenig Einblick geben ihre Selbstporträts, eine Meditation über das Leben, seine  Veränderung und die Sterblichkeit. Wie ein Fries umrahmen Barcodes diese Installation, eigentlich ein Synonym von Klassifizierung.

Die Ausstellung ist bis zum 24. Mai 2026 zu sehen,  ein Katalog in englischer Sprache ist im Hatje Cantz Verlag erschienen.

Das Museum Susch war eine Klosteranlage aus 12. Jahrhundert, dann auch eine Brauerei. Mit der Eröffnung 2019 als Privatmuseum, nach aufwendigen Restaurierung unter der Regie des polnischen Unternehmerin Grazyna Kulczyk, ist zu einem Mekka von Künstlerinnen aus dem osteuropäischen Raum geworden.

Offensichtlich liebt er das Image eines rumänischen Bauern, der inmitten seiner groben Werkzeuge und Materialen wohnt. Dabei ist er keinesfalls ein selbstverlorener Eremit, sondern versteht sich perfekt als Selbstvermarkter mit einem gut etablierten Netzwerk aus Geldgebern, Künstlerfreunden, Sammler und Galeristen. Doch die ständige Infragestellung seiner Werke, die Abwertung als Kunsthandwerk, lässt ihn viele Male eine weitere Ausstellung ablehnen, verkriecht sich lieber in sein Atelier. Die Nummer 8 ist Werkstatt, Wohnort und Heimat, von 1916  bis zu seinem Tod 1957. Man findet ihn in einem Kreativquartier in der Impasse Ronsin, das damals viel ländlichen Charme mitten in Paris verströmt.

Geboren 1875 im Südwesten Rumäniens, der Kleinen Walachei, flieht er als junger Mann vor der Gewalt des Elternhauses. Es gelingt es ihm, in Craiova und Bukarest Kunst zu studieren, dann macht er sich auf in den Westen. Über Stationen wie München und Wien landet er 1906 im Pariser Bohèmeviertel Montparnasse. Schon in Bukarest hat er von Auguste Rodin und seinen kühnen Skulpturen gehört und es gelingt ihm, bei diesem Bildhauer unterzukommen.  Ein kurzes Glück, denn Brâncusi sieht seine Welt jenseits des Realismus.

Die Suche nach der Essenz.

Schon 1907 verblüfft Brâncusi mit dem Kuss, so ganz anders als das Werk von Auguste Rodin. Das Publikum ist vielfach überfordert und in Deutschland stößt er auf harsche Ablehnung.  Dabei In Kennerkreisen keineswegs unbekannt, so war er 1913 mit 6 rumänischen Kollegen bei der „Internationalen Kunstausstellung“ im Münchner Glaspalast vertreten, dann 1927 in der Hamburger „Europäische Kunst der Gegenwart.  Von der Kritik als Kunstgewerbe abgetan ebenso wie die Arbeiten von Rudolf Belling und Henri Laurens. Auch die Berliner Galerie von Alfred Flechtheim zeigt 1929 zwei Werke von Brâncusi,  der „Torso“ aus Onyx und eine „Schlafende Muse“ aus Gips. Allein die deutsche Avantgarde-Presse hat sein Genie längst erkannt und bejubelt seine Suche nach dem Elementaren.

Großer Erfolg bei Armory Show

1931 wird Brâncusi zur Armory Show eingeladen und New York ist begeistert. Das Erstaunliche, dass er trotz des Erfolges und notabene vieler Freunde, völlig unbeirrt seinen Weg geht.  Niemand kann ihn überreden, sich einer der damals zahlreichen Kunstrichtungen anzuschließen, wie ein Monolith nähert er sich in kleinen Schritten seiner Idee von Kunst.

Es gibt nur wenige Motive

Constantin Brâncusi hat zeitlebens nur wenige Motive geschaffen,  doch daran hat es sich abgearbeitet, immer weiter auf dem Weg der Reduktion. Dazu gehört auch der Vogel, es gibt wohl 30 Versionen, in Marmor, Bronze und Gips. Mit der Zeit werden die Vögel immer schlanker, geradezu fragil und in polierten Erscheinung beinahe außerirdisch.

Auch eine Eigenart von Brâncusi, wenn das Original verkauft ist, gibt es nur mehr Repliken.

Für den Künstler gehört der Sockel zum Kunstwerk und so zeigt die Ausstellung in Berlin auch zahllose Varianten .

Seit 1915  fotografiert Constantin Brâncusi seine Werke, sein Freund Man Ray hat ihn in dieses Metier eingeführt. So sind in seinem Nachlass, den er dem französischen Staat vermacht hat, unzählige Fotografien, Filme, Briefe und sogar Rechnungen. Das Quartier am Impasse Ronsin wird in den 1970er Jahren ein Opfer der Erweiterung des Hôpital Necker und heute kann man die Werkstatt auf dem Vorplatz des Centre Pompidou besuchen, entworfen von Renzo Piano.

Das Atelier mit seinen vielen Werkzeugen durfte zum großen Teil nach Berlin umziehen. Sämtliches Arbeitsgerät  und das Mobiliar hat Brâncusi selbst angefertigt.

Für die Neue Nationalgalerie in Berlin ist es ein Glücksfall,  dass das Centre Pompidou über 5 Jahre renoviert wird und  daher rund 150 Exponate wie Skulpturen, Zeichnungen, Filme und Fotografien nun in Berlin zu sehen sind.  Die Ausstellung ist bis zum 9.August in der Neuen Nationalgalerie Berlin zu sehen. www.smb.museum

Sehr sehenswert ist das Video über Brancusi in der Arte -Mediathek, man erfährt viel über seine rumänische Heimat und seine Kunst im öffentlichen Raum wie das weltbekannte Ensemble târgu jiu  mit dem Tisch des Schweigens, dem Tor des Kusses und der Säule der Unendlichkeit.  Als Auftrag der Frau des damaligen Ministerpräsidenten 1935  errichtet,  soll es an die gefallenen Soldaten des Ersten Weltkrieges erinnern. Ein Versuch in 1950er Jahren, das Ensemble zu zerstören, scheiterte an der mangelnden Kraft des Bulldozers. Heute ein faszinierendes Monument der Avantgarde und ein Publikumsmagnet.

Carl Cheng verweigert sich jeder Einordnung. 1942 in San Francisco als Sohn chinesischer  Eltern geboren, beginnt er in der 1960er Jahren seine künstlerische Laufbahn. Inmitten der politischer Unruhen, einer nach dem Krieg prosperierenden Luftfahrtindustrie und in einer Landschaft, die rasch verändert.

Auf dem langen Gang zur Ausstellung wird der Besucher von der Stimme Carl Chengs empfangen: Nature is everything, Nature always wins, Nature never loses. Schon in den 1960er Jahren nimmt er die Veränderung und den Missbrauch der Umwelt wahr und wird in Diskussion zur fortschreitenden Technologie gesetzt.

Das Museum Tinguely zeigt 60 Jahre künstlerisches Schaffen von Carl Cheng. Geprägt durch die Essener Folkwang Schule (1964 – 65)  und ihrer von Bauhaus stark beeinflussten Vermittlung von Kunst und Gewerbe und der intellektuelle Souveränität von Marcel Duchamp und seinem Alter Ego Rrose Sélavy.

Schon bei den ersten Exponaten stutzt der Betrachter und glaubt an Luftaufnahmen einer ländlichen Gegend mit Feldern und Wiesen, doch es sind Platinen und Nieten auf einer Alu-Platte aufgebracht, Abfall einer Chipfirma.

Ein kurzfristiger Job als Modellbauer bei den Designern Charles und Ray Eames geben ihm das technische Rüstzeug und 1966 gründet seine Firma John Doe Company. Eigentlich sind es steuerliche Erwägungen und die leichtere Beschaffung von industriellen Material, doch es gibt Cheng auch die Möglichkeit, das Kommerzdenken seiner Kollegen in Frage zu stellen. Der Ausgrenzung als Künstler asiatischer Herkunft begegnet er mit dem Namen seiner Firma, denn amerikanischer geht es nicht.

Faszinierend sind seine „Naturmaschinen“. Die drohenden Umweltprobleme vorahnend, können seine Objekte Witterungseinflüsse nachempfinden, als Warnsysteme arbeiten. Doch eigentlich sollen sie das Bewusstsein für die starke Veränderung in unserer Gegenwart schärfen.

In diesen Turm aus Kunststoff ist ein Radio eingebaut, das ständig Wetternachrichten für den Ort sendet. wo es aufgestellt ist. Projektoren zeigen Bilder von Umweltschäden wie Müllhalden oder auslaufendes Erdöl. Der Holzsockel ist von Weizenähren eingerahmt. Es ist seine erste mechanisierte Skulptur und durch seine praktischen Kenntnisse kann er alles ohne fremde Hilfe machen.

Wie ein roter Faden zieht der Gedanke der Vergänglichkeit durch sein Werk. Dazu gehören auch die „Erosion Machines“. Dabei wird Wasser unaufhörlich auf einen Steinkegel gesprüht. Es sind menschengemachte Steine, denn sie enthalten Abfälle aus technologischer Produktion.

In den frühen 1970er Jahren unternimmt Cheng viele Reisen nach Asien, die sein Denken stark stark beeinflussen. Nach dem Ende der Herrschaft von Mao 1979 kann Carl Cheng in die Heimat seiner Eltern reisen. Es entstehen die Scroll Series, die Landschaft wird zu Kunst. Es ist ein Ausschnitt, wie durch den Sucher einer Kamera gesehen.

Mit den 1980er Jahren rückt die Vergänglichkeit wieder in den Fokus, es ist die Zeit der „Art Tools“ und seiner Vorliebe für den öffentlichen Raum. Im letzten Saal der Ausstellung steht das „Santa Monica Art Tool“ , eine gewaltige Betonwalze. Sie wird über Sand gezogen und hinterlässt eine Miniaturstadt, die Cheng “ Walk on LA“ nennt. Der feine Sand ist sehr leicht zu zerstören, der Besucher soll auf die Fragilität seiner Umwelt bewußt werden.

Schon 1979 als Prototyp entwickelt, wird das Art Tool: Rake ständig verbessert, um den superfeinen Sand zu formen. Mit Ende der Ausstellung bleibt nur mehr ein Berg Sand, den wegschaufeln muss.

Es ist eine hoch interessante Ausstellung, die allerdings Zeit verlangt. Eine ausführliche Broschüre gibt viel Einblick in den Werdegang und Ideen von Carl Cheng. Natürlich gibt es auch einen umfangreichen Katalog zum gesamten Schaffen des Künstlers.

Noch bis zum 10.Mai ist Carl Cheng – Nature never loses im Museum Tinguely Basel zu sehen. www.tinguely.ch

Nun ist „The First Homosexuels“ eröffnet und auch hier wird ein unbekannter Aspekt gezeigt. Es gibt wahrhaft kein Mangel an Ausstellungen und Events zu Queerness,  aber das Kunstmuseum widmet sich den Anfängen der Sichtbarmachung. Schon immer sind Gemälde und Fotos in privaten Kabinetten zu finden,  die nie aber den Weg in die Öffentlichkeit finden. Um 1869 taucht der Begriff „homosexuell“ zum ersten Mal im deutschen Sprachraum auf.

Da ist zum Beispiel «La Blanchisseuse», ein Gemälde des Franzosen Pascal Dagnan-Bouveret von 1879. Zu sehen ist ein Männerpaar, das Arm in Arm spazieren geht. Titelgebend ist hier aber nicht das Paar, sondern eine Frau auf einer Parkbank, mit einem Korb und einem Kleiderbündel auf dem Schoss.

Die lesbische Liebe wird im Gegensatz sehr viel diskreter dargestellt und läuft eigentlich unter der Überschrift Freundinnen.  Die Welt will es nicht wissen, dabei gibt es  viele in der Kunstszene, die es zu Ansehen gebracht haben wie die legendäre Sammlerin Gertrude Stein, die Malerin Ottilie von Roederstein, die Dichterin Sarah Bernhardt

Die Ausstellung “ the First Homosexuals, die Entstehung neuer Identitäten 1869 -1939″ ist bis zum 2. August 2026 im Kunstmuseum Basel zu sehen. Zur Information gibt es ein Booklet und einen üppigen Katalog

Marc Bauer – Fear Rage Desiree, Still Standing

Das Kunstmuseum Basel belässt es nicht bei den Anfängen, sondern im Zwischengang sind großformatige Arbeiten von Marc Bauer zu sehen.  Der vielfach ausgezeichnete Schweizer Künstler mit Ausstellungen in renommierten Museen möchte die quere Szene in die Normalität bringen, motiviert durch eigene Erfahrung im Elternhaus und der aktuelle Szene in den USA, wo Queerness wieder in der Schmuddelecke verschwinden soll.2023, mit einer Einladung  des Menil Drawing Institutes in Houston kann Marc Bauer 2023  „Resilience“ vorstellen. 2024 folgt eine Überarbeitung.  Wichtige Schritte seiner internationalen Karriere,  sich der queeren Szene mit ausdrucksstarken Zeichnungen, Fotografien und Videos zu widmen. Oftmals steht Gewalt im Vordergrund.

Dabei interpretiert er oftmals Sujets aus dem Internet, liest wissenschaftliche Texte und wird in Archiven fündig. Das Ergebnis sind oftmals krasse Bildwelten mit großer Anziehungskraft.

Die Gemälde von Marc Bauer entstehen direkt auf  den Wänden des Museums und werden nach einer gewissen Zeit verändert oder zerstört. Die Besucher sind als Zuschauer eingeladen, den Prozess einer Überarbeitung zu verfolgen. Dabei untermalt ein Soundtrack der Berliner Künstlern Sin Maldita und Philipp Hülsenbeck dieses Ausstellung und lässt daraus eine multimediale ‚Installation entstehen.

Die Ausstellung Marc Bauer – Fear Rage Desiree, Still Standing ist bis zum 2.Mai 2027 im Neubau des Kunstmuseums Basel zu sehen.

Natürlich versuchen die  Zeitgenossen, diese magnetische Ausstrahlung seiner Bilder von Cezanne, darunter Claude Monet oder Paul Gauguin.

Zahllose Künstler lassen sich von Cezanne inspirieren. Die Empfindung steht im Vordergrund wie bei der überwältigenden Farbfeldmalerei eines Mark Rothko, dem Action Painting von Jackson Pollock, die Phantasien von Farbe und Form eines Wassily Kandinsky.

Starke Emotionen lösen die Arbeiten von Louise Bourgeois aus, oftmals auch pure Abneigung oder Desinteresse. Die „Spinnen“  sind eines ihrer Markenzeichen geworden.

Die Sammlungspräsentation „Sensations“ ist bis zum 26.April in der Fondation Beyeler zu sehen. Nach den vielen Besuchern vor den Bildern von Cezanne bietet die   Ausstellung „Sensations“ etwas Erholung und mit diesen erstklassigen Arbeiten auch eine große Bereicherung.  www.fondationbeyeler.ch  

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1839 in Aix en Provence geboren, geht Paul Cezanne einen holprigen Weg der mangelnden Anerkennung, um schließlich als viel bewunderter Maler in die Kunstgeschichte einzugehen. Mit dem Tod seines Vaters, der ihn immer unterstützte, muss sich Cezanne nun keine Gedanken über sein Auskommen machen. Mitte der 1880er Jahre kehrt er in seine „Provence“  zurück und lockt mit Gemälden, die jedes Jahr Abertausende von Besuchern in seine Heimat locken.

58 Ölgemälde und 21 Aquarelle bieten ein einmaliges Erlebnis und dürften wahrscheinlich auf diese Weise nie mehr gezeigt werden.  Seien es die rar ausgestellten Kartenspieler oder 14 seiner berühmten Stilleben mit Früchten.

Dabei spielen die Motive bei Cezanne eine untergeordnete Rolle, es sind die Emotionen, die seine Bilder auslösen. Mit dicken Pinselstrichen kommt die Farbe auf die Leinwand und man schaut auf unzählige Schattierungen von Grün, Blau und Braun. Dabei erinnert das Ocker an die Gegend von Roussillon, wo die Erde abgebaut und als Pigment verkauft wurde.

Es sind die Landschaften, die in seinem Spätwerk noch intensiver ansprechen und in unserer Zeit der Hektik mit ihrer unfassbaren Stille und Harmonie wie ein Magnet für die Augen wirken.

Cezanne hatte eigentlich nur wenige Motive,  aber an diesen Themen hat er sich abgerackert und oftmals über Monate an ihrer Ausdruckskraft gefeilt. Man denke nur an seinen Montagne Sainte Victoire, quasi der Hausberg von Aix en Provence, und heute weltbekannt. Zwischen 1880 und seinem Tod 1906 malte er 30 Versionen, in der Ausstellung sind sieben Ölgemälde und etliche Aquarelle zu s,ehen.

Immer bleibt Cezanne seiner Idee treu, Stimmungen zu erzeugen und legt auf Anatomie und Proportion oftmals wenig Wert. Wie in einem  Schlüsselwerk, wo der Arm des „Knaben mit der roten Weste“  viel zu lang ist oder  die „Sieben Badende“  die scheinbar in die Wolken wachsen wollen. Auch bei „Die Kartenspieler“ ist der Körper viel zu groß für die kleinen Köpfe.

Im Anschluss an die Ausstellung wird der Kurzfilm „Cezanne on art 2025“ mit Albert Oehlen gezeigt. Gedreht unter dem Regisseur Oliver Hirschbiegel an den Originalschauplätzen des Montagne Sainte-Victoire und dem Steinbruch von Bibémus.

Die Ausstellung ist bis zum 25.Mai 2026 in der Fondation Beyeler zu sehen. Es gibt einen Audioguide und einen Katalog, erschienen im Hatje Cantz Verlag. www.fondationbeyeler.ch     

Eigentlich sind es drei Maler, die der Moderne  in Deutschland den nötigen Schwung geben: Lovis Corinth, Max Slevogt und Max Liebermann, der stets im Rampenlicht steht. Ist er doch schon Ende des 19.Jahrhunderts eine renommierte  Adresse.

Sein wohlhabendes und intellektuelles Elternhaus erlaubt ihm, 1873 ein Atelier auf dem Montmartre zu mieten, im Herzen des französischen Impressionismus. Doch als Deutscher wird er, nach dem verlorenen Krieg 1871/72, keinesfalls geschätzt.  Er macht Ausflüge in die Szene von Barbizon und verbringt 1874  etliche Monate in holländischen Zandvoort und in dieser Ecke Europas findet Max Liebermann seine Heimat als Maler. Es entstehen lichtdurchflutende Alltagsszenen der „kleinen Leute“  wie 1880 das „Altmännerhaus“ und die berühmte “ Freistunde im Amsterdamer Waisenhaus“.

Inspiriert von lichten Farben der Impressionisten, bekommen seine Motive viel Charmantes, ohne die Realität romantisch zu verklären. Auch gelingt es Liebermann das Licht im geschlossenen Raum einzufangen im Gegensatz zu seinen französischen Kollegen, die nur in der freien Natur malen.  Die französische Kunstpresse ist begeistert. Doch seine traditionellen Wurzeln kann er nur schwer ablegen, er kehrt zu einem „heiteren“  Naturalismus und nach Berlin zurück, wohl bewusst der Widerstände, die auf ihn warten.

In den besseren Kunstkreisen Deutschlands und besonders im Umfeld des Kaisers liebt man die dunkeltonige akademische Malweise, der Alltag der schuftenden Bevölkerung als Gemälde findet kaum Interesse.

1892 kommt es zur Gründung der Berliner Secession als Gegenpol zur konservativen Akademie, doch das reaktionäre Klima des Kaiserreichs spricht von Rinnsteinkunst.  Auch die erste Ausstellung von Edvard Munch 1905  in Deutschland fand keine Gnade in Berlin und musste geschlossen werden.

Doch ein Lichtblick naht mit der Berufung von Hugo von Tschudi als Direktor des Nationalgalerie, der den Impressionismus liebte und mit Liebermann als Berater umgehend nach Paris reiste. Zu gerne hätte man Manets “ Der Wintergarten“ erworben, doch man fürchtete sich vor der Kritik.

Mit dem Maler Liebermann jedoch geht es voran, zu seinem 50. Geburtstag bekommt er einen eigenen Saal in der Nationalgalerie. Dazu die Ernennung zum Präsidenten der Berliner Secession, als seine Sekretäre lassen sich die weltoffenen Galeristen Bruno und Paul Cassirer gewinnen.

Um 1900 ziehen mit Lovis Corinth und Max Slevogt neue Mitglieder der Secession nach Berlin, der erbitterte Widerstand der Akademie gegen die Moderne bricht langsam zusammen.  Allerdings hat das Pflänzchen Deutscher Impressionismus schwache Wurzeln und gehört schon vor Beginn des Ersten Weltkriegs zur Vergangenheit. Es beginnt die Ära des Expressionismus.

Um 1910 wird die Villa am Wannsee das neue Refugium von Max Liebermann und der Garten zu einem Quell zahlloser Gemälde. Die Reisen in die Niederlande sind passé und aus dem Querelen der Berliner Kunstszene hält er raus. Doch auf seinen zugkräftigen Namen kann man nicht verzichten, 1920 wird er Präsident der Berliner Akademie der Künste,  die Berliner Secession ist heillos zerstritten und ohnehin am Ende.

Die Wirren der Weimarer Republik, dazu der zuzunehmende Antisemitismus drehen der Deutschen Moderne die Luft ab. 1933 legt Liebermann alle Ämter nieder, er kann noch wichtige Werke in die Schweiz schaffen und stirbt 1935 in seinem Berliner Haus.  Die deutsche Moderne endet in der Ausstellung „entartete Kunst“ 1937.

Die Ausstellung „Avantgarde. Max Liebermann und der Impressionismus in Deutschland“ ist bis zum 7.Juni im Museum Barberini Potsdam zu sehen. Es gibt einen Audioguide und einen umfangreichen Katalog, erschienen im Prestel Verlag. www.museum-barberini.de  

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Eine Architektur mit Teppichboden, weichen Kissen, Fadenvorhängen und viel blaues Licht empfängt den Besucher, besser kann man sich nicht auf die Arbeiten der Künstlerin einstimmen. Besonders der zentrale Raum mit der 3-Kanal Videoinstallation, wo der Besucher auf einer Bank Platz nimmt, aber sich drehen muss, um den beiden anderen Videos zu folgen.

In ihrem Video “ The Moon is wet“  werden drei  Geschichten erzählt. Da ist die Meeresgöttin Mazu, die im gesamten südchinesischen Region verehrt wird. da sind Frauen aus China, die ab den 1930er-Jahren als Hausangestellte in Singapur gearbeitet haben und seit den 1970er-Jahren kommen die helfenden Hände aus Südostasien.

Diese Frauen entscheiden sich gegen die Ehe und leben oft in Gemeinschaften. Schon immer ist die Regierung in Singapur bestrebt, nationale Identitäten zu unterdrücken und nur Englisch und Mandarin als Sprache zu akzeptieren. Doch in dem Video von Charmaine Poh hört man kantonesisch, der Dialekt der ehemaligen Putzhilfen aus China und indonesisch, die Sprache der heutigen Angestellten, dazu Hokkien, die Sprache der Meeresgöttin.  Charmaine Poh gibt Ihnen eine Stimme und zeigt, dass in ihrer Kultur auch in der Diaspora eine sehr enge Verbindung zu ihren Familien besteht. Natürlich ist es auch ein Widerstand gegen die Medienpolitik von Singapur.

Eigens für diese Ausstellung im Palais Populäre wurde die Videoarbeit „the Moon is wet“ konzipiert. Faszinierend schön und sehr eindringlich zeigen sich die Probleme der Finanzmetropole Singapur, die ohne weltweiten Handel nicht überleben kann und ihre Ressourcen ans Limit bringt. Der steigende Wasserbedarf und die wachsenden Stadt bedrohen die Mangrovenwälder in der Peripherie, die für die Ökologie dieser Region unerlässlich sind.

Charmaine Poh, 1990 in Singapur geboren, ist 2025  zum „Artist of the Year“ der Deutschen Bank ausgewählt worden. Sie hat in Berlin studiert, lebt in Singapur und Berlin.

Das Video zeigt allerdings nicht die reale Person, sondern als Deepfake-Avatar namens E-Ching,  geschaffen mit KI und archiviertem Filmmaterial. Dieser Mix aus  Realität und Virtualität, Authentizität und Performance ist eine klare Kritik an der Medienlandschaft und sollte un vor der Zukunft warnen.

„Make a Travel of your inside deep and don’t forget me to take“ ist der Titel in holprigem Englisch ihrer ersten Einzelausstellung und ein Art Auffangbecken ihrer zahlreichen Themen wie Identität, Machtstrukturen, Ökologie, Resilienz.

Die Ausstellung ist noch bis zum 23, Februar im Berliner Palais Populaire zu sehen. www.palaispopulaire.db.com   Zur Ausstellung gibt es einen sehr schönen Katalog, erschienen im Kerber Verlag.

Auch im München, in der Behncke Gallery war Charmaine Poh mit sechs Videostills zu sehen.  www.behncke-gallery.com   

Die Zeit zwischen den beiden Weltkriegen prägt Raoul Hausmann.

1913 bis 1933 war seine Epoche, 1915 lernt er die hochbegabte Hannah Höch kennen, es wird eine 7jährige tragische Liebesbeziehung. 1918 kommt Dada nach Berlin und krempelt seine Vorstellung von Kunst total um, für ihn eine Befreiung von allem Konventionellem.

Die Berlinische Galerie in Kreuzberg 

Sie ist die Hüterin  der weltweit größten Sammlung von Raoul Hausmann, wobei vieles von seinem Frühwerk in den Kriegswirren verloren gegangen ist. Auch  die Stationen seines Exils in Frankreich und zahlreiche Museen sind Leihgeber für diese sehenswerte Ausstellung. Es lohnt sich, mit Muße die Briefe und Notizen zu studieren, denn  Hausmann war ein genialer Netzwerker, kannte jeden im damaligen Schmelztiegel der Kunst, bevor die Nazis grandiose Köpfe zur Flucht zwangen.

Begünstigt durch sein solides handwerkliches Können, erinnern erste Werke an Picasso oder Chagall, aber die radikale Denkweise von Dada wird zu seinem großen  Spielfeld, das er nie verlassen wird. Selbst in den 1960er Jahren hofft er auf eine Wiedergeburt, wie in der Ausstellung zu sehen.

Angetrieben durch sein extremes Selbstbewusstsein hat Hausmann jede Entwicklung auf dem Gebiet der Kunst aufgesogen und mit großer Energie weiterentwickelt. Raoul sieht sich weniger als Maler, „Der Maler malt, wie der Ochse brüllt“, da bietet Dada mit Text und Collage ein viel spannenderes Umfeld, sieht er ab 1927  in der Fotografie mit ihren technischen Spielereien eine Erweiterung des Sehens.

Die Flucht ins Exil

Wegen Ehefrau Hedwig Mankiewicz und Freundin Vera Broido muss Hausmann Deutschland 1933 verlassen und findet ab 1944 eine neue Bleibe im ländlichen Limoges. Mittlerweile über 70 Jahre alt, sieht mit Fluxus und Neo-Dada eine zaghafte Wiedergeburt von Dada, lässt von jungen Kollegen inspirieren. Doch seine fortschreitende Erblindung bringt sein künstlerisches Schaffen zu einem Ende.

Die Ausstellung „Raoul Hausmann – Vision, Provokation, Dada“ ist noch bis 16 März in der Berlinische Galerie, Belin zu sehen. Zur Ausstellung gibt es einen sehr schönen und detaillierten Katalog, erschienen im Verlag Hatje Cantz. www.berlinischegalerie.de    

Nirgendwo lässt Zerbrechlichkeit und mögliche Reparatur besser zeigen als bei Porzellan. Da gehören Aussagen wie  “ Elefant im Porzellanladen“ oder „viel Porzellan zerschlagen“ als Synonym für Missgeschick und Unfrieden. Birgit Dieker zerbricht die Tassen, um sie als künstlerische Form neu zu komponieren.

Die Tassen von Birgit Dieker machen den Titel der Ausstellung sehr verständlich, während die Arbeit von Paul Diestel etwas Reflexion verlangt. Der Besucher steht hier der Eingangstür unmittelbar vor einer hölzernen Skulptur, sie zeigt den leeren Fruchtbecher einer Eichel, der auf einer Basaltstein balanciert. Eine Anspielung an Beuys mit seinen 7000 Eichen anlässlich der Documenta 7, 1982.

An den abstrakten Expressionismus erinnert das Werk „Tusche“ von Toni Mauersberg und die Künstlerin lässt ihrer Inspiration freien Lauf, die Farbe inspiriert zu einem Spiel von Zufall und ein wenig Kontrolle. „Das Bild ist fertig, wenn es einen anschaut“, ist der Kommentar der Künstlerin

Schräg gegenüber dieser  plakativen Arbeit hängt etwas ganz Subtiles. Die Zeichnung „Stone Orchid“ von Valerie Schneider zeigt schwarze Steinorchideen. Ein großer Gegensatz zu den üblichen Orchideen in ihrer Farbenpracht. Sie scheinen sich in ihrer Umgebung aufzulösen, verströmen ihren Duft nur in der Nacht und können sich nur mit Hilfe nachtaktiver Motten vermehren.

auf dem Weg in die obere Etage wartet „Gumhole“, eine fotografische Dokumentation eines Gehwegs an der 51st Street Washington Park in Chicago. Jonas Müller-Ahlheim lebt seit 2021 in Chicago und zeigt die missglückten Versuche, mit dem Kaugummi in das Loch des Gehwegs zu zielen.

Eine Ausstellung, die in ihrer überschaubaren Größe zum intensiven Hinschauen animiert und das „Unperfekte“  in einem neuen Licht zu sehen. Seit wenigen Jahren  lässt sich  diese Abkehr vom Zwang der Optimierung erkennen.

Da sorgte „Glitch“ in der Münchner Pinakothek der Moderne  2024 für ein großes Interesse, damals entdeckten viele Besucher das Neuland der Fehler  mit einem Fokus auf  Fotografie. Auch bei „Helen Frankenthaler moves Jenny Brosinski, Ina Gerken, Adrian Schiess“  im Wiesbadener Reinhard Ernst Museum überlässt man der Farbe ihren freien Lauf und akzeptiert das Ergebnis.

Die Ausstellung  „Die Schönheit des Unvollkommenen“ schließt mit einer Finisage am 26. März.  www.dg-kunstraum.de