Nun zeigt das Muzeum Susch im Unterengadin, unweit von Scuols, die erste Retrospektive von Edita Schubert außerhalb des ehemaligen Jugoslawiens, und es ist wie  bei allen Ausstellungen in Susch, ein Erlebnis. Also die Reise für „Profusion“  lohnt sich.

1947 im Osten Kroatiens geboren, beginnt Edita 1971 mit der Realisierung ihrer künstlerischen Ideen. Dabei hat sie als Tochter einer Italienerin und eines Deutschen  quasi das Kulturgut des Habsburger Reiches in ihren Adern.

Das übergroße Gemälde ist die Treppe zu ihrem Arbeitsplatz,  genauso wie „doorway“ , die Türen, gemalt auf Leinwand in weichen Pastelltönen und an Schnüren aufgehängt. Während ihres gesamten Lebens, sie starb 2001 an einem Krebsleiden,  sicherte ihre Arbeit als Zeichnerin den finanziellen Rückhalt. Auch gibt es in Jugoslawien nur einen fragilen Kunstmarkt und die zahlreichen Ausstellungen bringen kein Geld.

Die Arbeiten von Edita Schubert ist so vielfältig. dass man kaum glauben kann,  es mit einer einzigen Künstlerin zu tun zu haben. Bekannte Kunstrichtungen bringt sie in einen neuen Kontext und kann die zeitgenössische Szene auf  spannende Weise bereichern.

Das Haus von Albrecht Dürer als multiple zeigt die kreative und unbekümmerte Art, aus vielen Dingen ein Kunstwerk zu machen. Es lebe Marcel Duchamp. So werden   Fotografien, Zeichnungen und Gemälde fotokopiert, dann die Originale entsorgt und fortan die Photokopien als Kunstwerk apostrophiert.

Die Teilnahme an der Biennale in Venedig 1982, gibt Edita einen Einblick in die internationale Kunstszene und es entstehen Gemälde mit öligen Pastellkreiden in Trapezform.

Privat ist Edita Schubert ein scheuer Menschen, verweigert Interviews, gibt ihren Sujets nur knappe Titel. Ein wenig Einblick bieten ihre Selbstporträts, eine Meditation über das Leben, seine  Veränderung und die Sterblichkeit. Wie ein Fries umrahmen Barcodes diese Installation, eigentlich ein Synonym von Klassifizierung.

Die Ausstellung ist bis zum 24. Mai 2026 zu sehen,  ein Katalog in englischer Sprache ist im Hatje Cantz Verlag erschienen.

Das Museum Susch war eine Klosteranlage aus 12. Jahrhundert, dann auch eine Brauerei. Mit der Eröffnung 2019 als Privatmuseum, nach aufwendigen Restaurierung unter der Regie des polnischen Unternehmerin Grazyna Kulczyk, ist es zu einem Mekka von Künstlerinnen aus dem osteuropäischen Raum geworden.

Eine Architektur mit Teppichboden, weichen Kissen, Fadenvorhängen und viel blaues Licht empfängt den Besucher, besser kann man sich nicht auf die Arbeiten der Künstlerin einstimmen. Besonders der zentrale Raum mit der 3-Kanal Videoinstallation, wo der Besucher auf einer Bank Platz nimmt, aber sich drehen muss, um den beiden anderen Videos zu folgen.

In ihrem Video “ The Moon is wet“  werden drei  Geschichten erzählt. Da ist die Meeresgöttin Mazu, die im gesamten südchinesischen Region verehrt wird. da sind Frauen aus China, die ab den 1930er-Jahren als Hausangestellte in Singapur gearbeitet haben und seit den 1970er-Jahren kommen die helfenden Hände aus Südostasien.

Diese Frauen entscheiden sich gegen die Ehe und leben oft in Gemeinschaften. Schon immer ist die Regierung in Singapur bestrebt, nationale Identitäten zu unterdrücken und nur Englisch und Mandarin als Sprache zu akzeptieren. Doch in dem Video von Charmaine Poh hört man kantonesisch, der Dialekt der ehemaligen Putzhilfen aus China und indonesisch, die Sprache der heutigen Angestellten, dazu Hokkien, die Sprache der Meeresgöttin.  Charmaine Poh gibt Ihnen eine Stimme und zeigt, dass in ihrer Kultur auch in der Diaspora eine sehr enge Verbindung zu ihren Familien besteht. Natürlich ist es auch ein Widerstand gegen die Medienpolitik von Singapur.

Eigens für diese Ausstellung im Palais Populäre wurde die Videoarbeit „the Moon is wet“ konzipiert. Faszinierend schön und sehr eindringlich zeigen sich die Probleme der Finanzmetropole Singapur, die ohne weltweiten Handel nicht überleben kann und ihre Ressourcen ans Limit bringt. Der steigende Wasserbedarf und die wachsenden Stadt bedrohen die Mangrovenwälder in der Peripherie, die für die Ökologie dieser Region unerlässlich sind.

Charmaine Poh, 1990 in Singapur geboren, ist 2025  zum „Artist of the Year“ der Deutschen Bank ausgewählt worden. Sie hat in Berlin studiert, lebt in Singapur und Berlin.

Das Video zeigt allerdings nicht die reale Person, sondern als Deepfake-Avatar namens E-Ching,  geschaffen mit KI und archiviertem Filmmaterial. Dieser Mix aus  Realität und Virtualität, Authentizität und Performance ist eine klare Kritik an der Medienlandschaft und sollte un vor der Zukunft warnen.

„Make a Travel of your inside deep and don’t forget me to take“ ist der Titel in holprigem Englisch ihrer ersten Einzelausstellung und ein Art Auffangbecken ihrer zahlreichen Themen wie Identität, Machtstrukturen, Ökologie, Resilienz.

Die Ausstellung ist noch bis zum 23, Februar im Berliner Palais Populaire zu sehen. www.palaispopulaire.db.com   Zur Ausstellung gibt es einen sehr schönen Katalog, erschienen im Kerber Verlag.

Auch im München, in der Behncke Gallery war Charmaine Poh mit sechs Videostills zu sehen.  www.behncke-gallery.com   

Nirgendwo lässt Zerbrechlichkeit und mögliche Reparatur besser zeigen als bei Porzellan. Da gehören Aussagen wie  “ Elefant im Porzellanladen“ oder „viel Porzellan zerschlagen“ als Synonym für Missgeschick und Unfrieden. Birgit Dieker zerbricht die Tassen, um sie als künstlerische Form neu zu komponieren.

Die Tassen von Birgit Dieker machen den Titel der Ausstellung sehr verständlich, während die Arbeit von Paul Diestel etwas Reflexion verlangt. Der Besucher steht hier der Eingangstür unmittelbar vor einer hölzernen Skulptur, sie zeigt den leeren Fruchtbecher einer Eichel, der auf einer Basaltstein balanciert. Eine Anspielung an Beuys mit seinen 7000 Eichen anlässlich der Documenta 7, 1982.

An den abstrakten Expressionismus erinnert das Werk „Tusche“ von Toni Mauersberg und die Künstlerin lässt ihrer Inspiration freien Lauf, die Farbe inspiriert zu einem Spiel von Zufall und ein wenig Kontrolle. „Das Bild ist fertig, wenn es einen anschaut“, ist der Kommentar der Künstlerin

Schräg gegenüber dieser  plakativen Arbeit hängt etwas ganz Subtiles. Die Zeichnung „Stone Orchid“ von Valerie Schneider zeigt schwarze Steinorchideen. Ein großer Gegensatz zu den üblichen Orchideen in ihrer Farbenpracht. Sie scheinen sich in ihrer Umgebung aufzulösen, verströmen ihren Duft nur in der Nacht und können sich nur mit Hilfe nachtaktiver Motten vermehren.

auf dem Weg in die obere Etage wartet „Gumhole“, eine fotografische Dokumentation eines Gehwegs an der 51st Street Washington Park in Chicago. Jonas Müller-Ahlheim lebt seit 2021 in Chicago und zeigt die missglückten Versuche, mit dem Kaugummi in das Loch des Gehwegs zu zielen.

Eine Ausstellung, die in ihrer überschaubaren Größe zum intensiven Hinschauen animiert und das „Unperfekte“  in einem neuen Licht zu sehen. Seit wenigen Jahren  lässt sich  diese Abkehr vom Zwang der Optimierung erkennen.

Da sorgte „Glitch“ in der Münchner Pinakothek der Moderne  2024 für ein großes Interesse, damals entdeckten viele Besucher das Neuland der Fehler  mit einem Fokus auf  Fotografie. Auch bei „Helen Frankenthaler moves Jenny Brosinski, Ina Gerken, Adrian Schiess“  im Wiesbadener Reinhard Ernst Museum überlässt man der Farbe ihren freien Lauf und akzeptiert das Ergebnis.

Die Ausstellung  „Die Schönheit des Unvollkommenen“ schließt mit einer Finisage am 26. März.  www.dg-kunstraum.de 

Eine grandiose Idee, Kunst zum Alltag zu machen. Auf der Pacellistraße 5,  unweit des Lenbachplatzes, hat die Sammlung Goetz eine Art Pop-up Zuhause gefunden und der Ort ist sehr gelungen. Geradezu idyllisch gelegen, mit Anschluss an den Innenhof der Maxburg  mit seinem imposanten Moses-Brunnen und vielen Cafés.

Vorsicht Kunst

Bei eventuellen Ängsten, den Raum zu betreten, auch von den beiden Schaufenstern, lässt sich die Ausstellung erleben. Die beiden Objekte unmittelbar an den Schaufenstern wirken so lebensecht dass ein Hinweis angebracht wurde, dass es sich um eine Kunstinstallation handelt.

Handle with Care

Handle with Care ist das Thema der ersten Ausstellung der Sammlung Goetz in der Pacellistaße, konzipiert von dem dänischen Künstlerduo Elmgreen&Dragset. Eigentlich ein alltäglicher Hinweis auf Transportkisten mit zerbrechlichem Inhalt, doch wenn Michael Elmgreen und Ingar Dragset eine Ausstellung kursieren , gibt es immer eine Doppeldeutigkeit. In diesem Fall ist es die menschliche Fürsorge.

Ihr Thema sind oftmals naturalistische Abbildungen von Menschen in Alltagskleidung in einer ungewöhnlichen Situation. Wie die Installation „Andrea Candela“, der Junge liegt,  in sich gekehrt, auf einem Schaffell. Seine Gesellschaft ist ein Apple Computer, der Screen zeigt eine  Online Dating App.

Arbeiten aus  der Sammlung Goetz begleiten diese Ausstellung wie die Strickbilder von Rosemarie Trockel oder die inszenierten Fotografien von Cindy Sherman und Richard Prince.

die Einsamkeit ist spürbar

Alle Arbeiten strahlen eine große Einsamkeit und hohe Verletzlichkeit aus, sei es Moses,  das Baby vor dem Bankomat oder Tala, ganz mit Gold überzogen, ihren Händen, hinter dem Rücken gehalten. Man kann sich ihrer Anziehungskraft nicht entziehen.

Wenn es um Kunst geht, ist auch der Kommerz nicht mehr weit. Aus der Sammlung Goetz stammt diese Arbeit von Tom Sachs.

Seit 1995 arbeiten die beiden dänischen Künstler zusammen und sind für ihre sozialkritischen Werke bekannt. Ihre Leidenschaft sind Ausstellungskonzepte,  die den Besucher verwirren und Fragen aufdrängen.

Im Sommer im Städel Frankfurt

In Museen wie die Tate Modern in London oder die National Gallery in Kopenhagen oder die Fondazione Prada in Mailand waren ihre Installationen zu sehen. Ab Ende Mai sind sie im Frankfurter Städel zu sehen. Die Leidenschaft der beiden sind Ausstellungskonzepte,  die den Besucher verwirren, sich Fragen aufdrängen.

Die Ausstellung ist bis zum 28.Februar in der Sammlung Goetz/Schaufenster in der Pacellistraße 5 zu sehen.  www.sammlung-goetz.de

Bei all ihren Arbeiten verzichtet Sandra Vásquez de la Horra bewußt auf Rahmen, denn ihre Kunst soll mühelos von einem Ort zum nächsten zu transportieren sein. Ein starker Hinweis auf Vertreibung und Migration.

Sandra Vásquez de la Horra, 1967 im chilenischen  Vina del Mar geboren, ist während der Militärdiktatur von Auguste Pinochet aufgewachsen. Die Erziehung durch eine indigene Nanny lehrt sie die Beziehung zur Natur und legt den Grundstock für ihre spätere Karriere als Künstlerin. Sie studiert Grafikdesign in Valparaiso und folgt 1989 ihrem Mann an die Düsseldorfer Kunstakademie, wo sie zunächst bei Jannis Kounellis studiert.  Später von 1999 bis 2003 ist sie in der Klasse von Rosmarie Trockel.

Seit 2010 lebt die Chilenin in Berlin und in ihrem Atelier entstehen die eindrucksvollen Leporellos, großformatige Zeichnungen und raumfüllenden Installationen.

Ihr  Trauma mit der Militärdiktatur, aber auch die Traditionen der Mapuche, ihr Interesse für Santeria und Volksmärchen sind prägend für die Arbeiten von Sandra Vasquez de la Horra.

Mittlerweile hat sich die Künstlerin ihren Platz in der Kunstwelt erobert, sei es die Teilnahme an der Biennale 2022 in Venedig oder die Auszeichung  2023 mit dem Käthe-Kollwitz-Preis. 2024 im Denver Art Museum, ist sie nun zu Gast im Münchner Haus der Kunst.

Für das Haus der Kunst ist „soy el Horizonte infinito“ , eine große Installation die den Besucher spiralförmig ins Innere und die Gedankenwelt der Künstlerin führt. Bestimmt durch die Elemente Wasser, Erde und Luft.

Pepper kann man nicht widerstehen. Als weltweit „emotionalster Roboter“ wird er 2014 in Tokio vorgestellt. Sein kindliches Aussehen bezaubert, er kann sich menschenähnlich bewegen und hat die Fähigkeit, Emotionen wahr zu nehmen und Personen wieder erkennen. Mit seinem Tabloid vor der Brust arbeitet er auf Flughäfen, in Banken und privaten Haushalten. Bis 2021 ist Pepper  27 000 mal verkauft worden.

2025 wird die Neue Sammlung München 100 Jahre alt.  Seit dieser Zeit kursieren auch Ideen zu Robotern auf der Welt, der Begriff Roboter stammt vom tschechischen Schriftsteller Karel Caprek. 1921, in seinem Drama R.U.R. stellt ein Unternehmen künstliche Menschen her, die als billige Arbeitskraft missbraucht werden. Doch schon seit der Antike wird von einem Helfer für den Menschen geträumt. Heute sind Roboter im Alltag angekommen, als humaoide, als zoomorphe und jene, die Maschinen nachempfunden werden.

Da die Mehrheit der Roboter aktuell in der Industrie genutzt werden, wird für die Ausstellung ein typisches Umfeld mit Rollbändern, Absperrungsbändern und engen Gittern gewählt.

Die Ausstellung ist bis zum 28.11. 2027 in der der Neuen Sammlung innerhalb der Pinakothek der Moderne, eine Kooperation mit Prof. Gordon Cheng und dem Lehrstuhl für Kognitive Systeme der TU München. Zur Ausstellung ist ein sehr schöner Katalog erschienen,  www.pinakothek-der-moderne. de  

Noch ein besonderer Tipp: am 15. Januar um 18 Uhr präsentiert das Modern String Quartett ein außergewöhnliches Konzertprojekt an
der Schnittstelle von Musik, Technologie und Mythos. Unter dem Titel „KI – im Netz des Schicksals“ entfaltet sich ein dramaturgischer Dreiklang aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

In diesem Jahr ist William Kentridge 70 geworden, ein guter Anlass für das Folkwang Museum Essen und das Dresdner Albertinum, diesen universellen Künstler zu feiern. In Johannesburg geboren, mit jüdisch-litauischen Wurzeln, erprobt er sich schon früh als Schauspieler, Designer und Theaterregisseur. Heute gehören Druckgrafiken, Collagen, Skulpturen, Tapisserien, kinetische Objekte und Puppentheaterstücke zu seinem künstlerischen Repertoire. Besonders beeindruckend sind seine Animationsfilme, dabei zeichnet Kentridge  jedes Einzelbild mit Kohle oder Graphit.

Die Ausstellung im Albertinum ist eine gelungene Dokumentation von Dresdner Barockgeschichte und südafrikanischer Apartheidspolitik. Der Besucher steht zwischen den Kartons des „Fürstenzugs“ und der Filminstallation “ More sweetly play the Dance“. Begleitet von einer Brass Band, schleppt sich eine Prozession von geknechteten schattenhaften Figuren über die Leinwand. Welch ein Kontrast, im Film mühen sich die Menschen zu Fuss während beim Fürstenzug elegante Aristokraten auf geschmückten Pferde paradieren.

Die Kunst von William Kentridge ist immer politisch. Aufgewachsen in einem Südafrika, das durch die Apartheidspolitik gebrandmarkt ist, bleibt das Thema für den Künstler virulent. Immer geht es um Menschenrechte und das hat in Dresden eine gute Tradition. Da sind die festlichen Umzüge von August dem Starken noch eine  Selbstdarstellung des Adels, aber mit dem 19.Jahrhundert marschieren die Bürger auf die Strasse,  zu DDR-Zeiten die organisierten Paraden zu DDR-Zeiten und die  Friedliche Revolution um 1989. Auch die Pegida-Protestmärsche gehören dazu und haben der Stadt einen Stempel aufgedrückt.

Es schließt sich ein zweiter Film an „Oh To Believe in Another World“ von 2022. Es ist eine zauberhafte Bildcollage welche das kurze Aufkeimen der russischen Avantgarde thematisiert, bevor Stalin jede Extravaganz abwürgt. Die Frage nach der Machbarkeit von Utopien ist ein Kernthema von Kentridge und jene Phase zwischen Lenin und Stalin war rasch dem Untergang geweiht.

Untermalt von der 10. Sinfonie des russischen Komponisten Dimitri Schostakowitschs, der sehr unter der Willkür Stalins gelitten hat. Nach dessen Tod 1953 wird diese Sinfonie uraufgeführt- ein düsteres Stück Musik- und manche sehen als Abrechnung mit dem Regime.

In „Oh To Believe In Another World“  wird die Ära vom Tod Lenins (1924) bis zum Ende der Herrschaft Stalins (1953) als Collagen dargestellt. In nächsten Raum lässt sich viel über die Machart der  Protagonisten erleben.

Die Ausstellung William Kentridge – Listen to the Echo – ist noch bis zum 4. Januar im Albertinum Dresden zu sehen. Eine große Bereicherung bietet  der elegante Katalog aus dem Steidl Verlag.  www.albertinum.skd.museum   www.steidl.de

In der Dresdner Philharmonie wird am 14. Februar 2026 der Film  „To Believe in another World“ von William Kentridge gezeigt, untermalt mit der 10. Sinfonie von Schostakowitsch. Dirigent ist Michael Sanderling. www.dresdnerphilharmonie.de  

Schon lange gehört Wolfgang Laib zur internationalen Kunstszene, dabei ist der Schwabe ganz eigene Wege gegangen. Ungewöhnliche Materialen wie Blütenstaub, Wachs, Milch und Stein machen seine Kunst so außergewöhnlich. Man spürt die Wahrhaftigkeit, begründet im tiefen Verständnis für uralte Traditionen in Indien und Japan.

Sein Weltbild  ist von Jainismus beeinflusst, der sich viel strenger als der Buddhismus von Gewaltlosigkeit und Askese bestimmt wird. Die erste Begegnung mit asiatischer Denkweise erlebt der junge Wolfgang Laib im Zürcher Museum Rietberg. Alleine schon die geduldige Gewinnung von Blütenstaub verlangt nach Meditation und notabene wird nach jeder Ausstellung die gelbe Kostbarkeit wieder akkurat eingesammelt. Ein Symbol für Entstehen und Vergehen.

Sein Werden als Künstler beginnt Anfang der 1970er Jahre mit dem Milchstein. Dabei wird Milch in ein Rechteck aus weißem Marmor gegossen und es entsteht eine makellos weiß glänzende Oberfläche. Ein kurzes Glück, denn nur für einem Tag sind Marmorplatte und Flüssigkeit eine Einheit. Dann wird die Milch sauer und muss erneuert werden. Das ist an die asiatische Philosophie angelehnt, dort gehört die Verschmelzung von Gegensätzen zu den elementaren Eigenschaften des Lebens.

Wirklich überwältigend ist seine Strukturen aus Blöcken von Bienenwachs. Das duftende Material, die dunkelgelbe Farbe und die stattliche Größe machen Eindruck Ganz klassisch hergestellt mit Haarfön und Bügeleisen.

Die Ausstellung  Wolfgang Laib – die Berührung des Essenziellen – ist seit dem 3.Oktober im Kunsthaus Zürich zu sehen. Dazu gibt es einen eleganten und sehr informativen Katalog.  www.kunsthaus.ch

Rebecca Horn gehört zu den wichtigsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts und man sollte nur das vielfach veröffentlichte Porträt von ihr betrachten und eigentlich ist alles gesagt. Man sieht eine Frau. die immer wußte, wie man sich als Künstlerin den Weg nach oben ebnet. Schon mit 28 Jahren wird sie 1972 als jüngste Teilnehmerin auf die Documenta 5 eingeladen, noch drei weitere Einladungen sollten folgen.

Seit 1978 beschäftigt sie sich mit kinetischen Objekten und ist ihrer Zeit weit voraus. Diese Arbeiten begeistern mit ihrer Zartheit, der Präzision der Bewegung und der höchst ungewöhnlichen Objekte. Seien es Federn, Flügel von Schmetterlingen, Pinsel  oder spitze Messer, die in geradezu meditativen Bewegung zueinander streben und wieder abgestoßen werden. Und immer ist da eine Aura des Positiven.

Da können sogar Bettgestelle aus einem Krankenhaus zum Himmel streben, dabei würde man eher die Höhe vermuten.

Nur das plötzliche knarrende Geräusch schreckt auf,  ein kopfüber aufgehängtes Klavier spuckt sein Innenleben aus. Nun  ja, Concert for Anarchy.

Aus Glastrichtern wird Tinte und Champagner verspritzt und es entstehen Wandbilder. Die künstlerische Gestaltung wird völlig dem Zufall überlassen.

Die Ausstellung ist bis zum 13.Oktober im Münchner Haus der Kunst zu sehen. Es gibt einen Audioguide mit Gedichten und Prosatexten von Rebecca Horn im Kontext zu ihren Arbeiten. Im Juli soll der zweisprachige Katalog bei Spector Books erschien. erscheinen. www.hausderkunst.de 

Die Architektur lädt zum Flanieren ein. 16 Stationen mit Film und Video verlangen Zeit, auf Stühlen, in der Liegeposition, zum Lungern in einem Zelt.

Die Künstlerin, 1978 in der Region des Pearl River Delta geboren, erlebte den technologischen Aufschwung Chinas in dieser Sonderwirtschaftszone nördlich von Hongkong. In dem pochenden Herzen der Ökonomie gehören  Videogames und Unterhaltungselektronik zu ihrem Alltag. Heute lebt und arbeitet Cat Fei in Peking.

Von großer Aktualität sind ihre Fotos, Filme und begehbaren Multi- Media- Installationen. Sie zeigen die verführerische Schönheit der Perfektion, aber auch die Gefahren einer hypervernetzten globalen Welt.

In dieser Ausstellung sieht man 20 Jahre ihres Schaffens, er beginnt mit „Cosplayers“ 2004 und mit „RMB City“ schaffte sie den internationalen Durchbruch (Station 11). Dabei fliegt sie als Avatar, als China Tracy im silbergrauen Outfit, durch die fiktive Stadt RMB City, gegründet in der Online-Welt Second Life. Hier kann der Zuschauer auch Versatzstücke aus der wirklichen Welt entdecken wie der CCTV Tower von Rem Koolhaas oder das geplante Stadion von Herzog & de Meuron für die Olympischen Spiele 2008.

Bis 2021 war RMB City aktiv, nun schwebt „Oz“ als androgynes Mischwesen durch Duotopia, ihre erste architektonische Konstruktion im Metaversum. Aus dem Körper des neuen Avatar schlängeln sich große und kleine Tentakel, eher furchterregend, helfen in der Orientierung.  Eine Mensch-Maschine, getrieben von der künstlichen Intelligenz, muss sich in der digitalen Gesellschaft zurecht finden, um ihre Digitalisierung zu gestalten.

Doch bei aller Passion für virtuelle Welten besteht  Cao Fei auf die Wahrnehmung der Realität. So dokumentiert „Rumba II: Nomad“ von 2015 die fortschreitende Urbanisierung der Hauptstadt, denn mit der Landflucht entstehen Megacities.

Cao Fei drehte das Video in der Gegend ihres Atelier, Xiaochenge Zhuang, das dem Erdboden gleichgemacht wurde, um neue Wohnungen zu schaffen. Man sieht Menschen, die nach brauchbaren Baumaterial suchen und Staubsaugerroboter der Marke Rumba kämpfen sich durch das Chaos.

Die Situation der strengen Ausgangssperre hat Cao Fei sehr beschäftigt. Auch sie lebte während dieser Zeit in China und konnte ihn Haus kaum verlassen.

Wie bei“ Isle of Instability“, Station 7, dort wird zwei Videos über die Situation während der Pandemie gezeigt. Das ist der monotone Alltag ihrer Tochter, eingesperrt in die Wohnung und das verlassene Singapur mit wenigen Menschen, die sich rigiden Abstandsregeln und dem Tragen von Masken fügen müssen.

Die Installation „A Holiday“ von 2022 zeigt, wie  die Bewohner von Beijing das Camping in Parks entdeckt haben.  Nur eine kurze Idylle, denn Aufsichtspersonen vertreiben die Menschen.

Das Ende der Ausstellung könnte unter dem Titel „Brot und Spiele“ stehen. Die fiktive Dokumentation  „MatryoshkaVerse“ von 2022 thematisiert ein Projekt an der Neuen Seidenstraße. Als wichtiger Knotenpunkt für den Handel zwischen China und Russland  werden Fabriken und Wohnungen gebaut, es entstehen Vergnügungsparks und große Hotels. Aber es bleibt eine gescheiterte Utopie, denn die Freizeitangebote werden kaum genutzt und überall sieht man Bauruinen.