Nun zeigt das Muzeum Susch im Unterengadin, unweit von Scuols, die erste Retrospektive von Edita Schubert außerhalb des ehemaligen Jugoslawiens, und es ist wie  bei allen Ausstellungen in Susch, ein Erlebnis. Also die Reise für „Profusion“  lohnt sich.

1947 im Osten Kroatiens geboren, beginnt Edita 1971 mit der Realisierung ihrer künstlerischen Ideen. Dabei hat sie als Tochter einer Italienerin und eines Deutschen  quasi das Kulturgut des Habsburger Reiches in ihren Adern.

Das übergroße Gemälde ist die Treppe zu ihrem Arbeitsplatz,  genauso wie „doorway“ , die Türen, gemalt auf Leinwand in weichen Pastelltönen und an Schnüren aufgehängt. Während ihres gesamten Lebens, sie starb 2001 an einem Krebsleiden,  sicherte ihre Arbeit als Zeichnerin den finanziellen Rückhalt. Auch gibt es in Jugoslawien nur einen fragilen Kunstmarkt und die zahlreichen Ausstellungen bringen kein Geld.

Die Arbeiten von Edita Schubert ist so vielfältig. dass man kaum glauben kann,  es mit einer einzigen Künstlerin zu tun zu haben. Bekannte Kunstrichtungen bringt sie in einen neuen Kontext und kann die zeitgenössische Szene auf  spannende Weise bereichern.

Das Haus von Albrecht Dürer als multiple zeigt die kreative und unbekümmerte Art, aus vielen Dingen ein Kunstwerk zu machen. Es lebe Marcel Duchamp. So werden   Fotografien, Zeichnungen und Gemälde fotokopiert, dann die Originale entsorgt und fortan die Photokopien als Kunstwerk apostrophiert.

Die Teilnahme an der Biennale in Venedig 1982, gibt Edita einen Einblick in die internationale Kunstszene und es entstehen Gemälde mit öligen Pastellkreiden in Trapezform.

Privat ist Edita Schubert ein scheuer Menschen, verweigert Interviews, gibt ihren Sujets nur knappe Titel. Ein wenig Einblick bieten ihre Selbstporträts, eine Meditation über das Leben, seine  Veränderung und die Sterblichkeit. Wie ein Fries umrahmen Barcodes diese Installation, eigentlich ein Synonym von Klassifizierung.

Die Ausstellung ist bis zum 24. Mai 2026 zu sehen,  ein Katalog in englischer Sprache ist im Hatje Cantz Verlag erschienen.

Das Museum Susch war eine Klosteranlage aus 12. Jahrhundert, dann auch eine Brauerei. Mit der Eröffnung 2019 als Privatmuseum, nach aufwendigen Restaurierung unter der Regie des polnischen Unternehmerin Grazyna Kulczyk, ist es zu einem Mekka von Künstlerinnen aus dem osteuropäischen Raum geworden.

Offensichtlich liebt er das Image eines rumänischen Bauern, der inmitten seiner groben Werkzeuge und Materialen wohnt. Dabei ist er keinesfalls ein selbstverlorener Eremit, sondern versteht sich perfekt als Selbstvermarkter mit einem gut etablierten Netzwerk aus Geldgebern, Künstlerfreunden, Sammler und Galeristen. Doch die ständige Infragestellung seiner Werke, die Abwertung als Kunsthandwerk, lässt ihn viele Male eine weitere Ausstellung ablehnen, verkriecht sich lieber in sein Atelier. Die Nummer 8 ist Werkstatt, Wohnort und Heimat, von 1916  bis zu seinem Tod 1957. Man findet ihn in einem Kreativquartier in der Impasse Ronsin, das damals viel ländlichen Charme mitten in Paris verströmt.

Geboren 1875 im Südwesten Rumäniens, der Kleinen Walachei, flieht er als junger Mann vor der Gewalt des Elternhauses. Es gelingt es ihm, in Craiova und Bukarest Kunst zu studieren, dann macht er sich auf in den Westen. Über Stationen wie München und Wien landet er 1906 im Pariser Bohèmeviertel Montparnasse. Schon in Bukarest hat er von Auguste Rodin und seinen kühnen Skulpturen gehört und es gelingt ihm, bei diesem Bildhauer unterzukommen.  Ein kurzes Glück, denn Brâncusi sieht seine Welt jenseits des Realismus.

Die Suche nach der Essenz.

Schon 1907 verblüfft Brâncusi mit dem Kuss, so ganz anders als das Werk von Auguste Rodin. Das Publikum ist vielfach überfordert und in Deutschland stößt er auf harsche Ablehnung.  Dabei In Kennerkreisen keineswegs unbekannt, so war er 1913 mit 6 rumänischen Kollegen bei der „Internationalen Kunstausstellung“ im Münchner Glaspalast vertreten, dann 1927 in der Hamburger „Europäische Kunst der Gegenwart.  Von der Kritik als Kunstgewerbe abgetan ebenso wie die Arbeiten von Rudolf Belling und Henri Laurens. Auch die Berliner Galerie von Alfred Flechtheim zeigt 1929 zwei Werke von Brâncusi,  der „Torso“ aus Onyx und eine „Schlafende Muse“ aus Gips. Allein die deutsche Avantgarde-Presse hat sein Genie längst erkannt und bejubelt seine Suche nach dem Elementaren.

Großer Erfolg bei Armory Show

1931 wird Brâncusi zur Armory Show eingeladen und New York ist begeistert. Das Erstaunliche, dass er trotz des Erfolges und notabene vieler Freunde, völlig unbeirrt seinen Weg geht.  Niemand kann ihn überreden, sich einer der damals zahlreichen Kunstrichtungen anzuschließen, wie ein Monolith nähert er sich in kleinen Schritten seiner Idee von Kunst.

Es gibt nur wenige Motive

Constantin Brâncusi hat zeitlebens nur wenige Motive geschaffen,  doch daran hat es sich abgearbeitet, immer weiter auf dem Weg der Reduktion. Dazu gehört auch der Vogel, es gibt wohl 30 Versionen, in Marmor, Bronze und Gips. Mit der Zeit werden die Vögel immer schlanker, geradezu fragil und in polierten Erscheinung beinahe außerirdisch.

Auch eine Eigenart von Brâncusi, wenn das Original verkauft ist, gibt es nur mehr Repliken.

Für den Künstler gehört der Sockel zum Kunstwerk und so zeigt die Ausstellung in Berlin auch zahllose Varianten .

Seit 1915  fotografiert Constantin Brâncusi seine Werke, sein Freund Man Ray hat ihn in dieses Metier eingeführt. So sind in seinem Nachlass, den er dem französischen Staat vermacht hat, unzählige Fotografien, Filme, Briefe und sogar Rechnungen. Das Quartier am Impasse Ronsin wird in den 1970er Jahren ein Opfer der Erweiterung des Hôpital Necker und heute kann man die Werkstatt auf dem Vorplatz des Centre Pompidou besuchen, entworfen von Renzo Piano.

Das Atelier mit seinen vielen Werkzeugen durfte zum großen Teil nach Berlin umziehen. Sämtliches Arbeitsgerät  und das Mobiliar hat Brâncusi selbst angefertigt.

Für die Neue Nationalgalerie in Berlin ist es ein Glücksfall,  dass das Centre Pompidou über 5 Jahre renoviert wird und  daher rund 150 Exponate wie Skulpturen, Zeichnungen, Filme und Fotografien nun in Berlin zu sehen sind.  Die Ausstellung ist bis zum 9.August in der Neuen Nationalgalerie Berlin zu sehen. www.smb.museum

Sehr sehenswert ist das Video über Brancusi in der Arte -Mediathek, man erfährt viel über seine rumänische Heimat und seine Kunst im öffentlichen Raum wie das weltbekannte Ensemble târgu jiu  mit dem Tisch des Schweigens, dem Tor des Kusses und der Säule der Unendlichkeit.  Als Auftrag der Frau des damaligen Ministerpräsidenten 1935  errichtet,  soll es an die gefallenen Soldaten des Ersten Weltkrieges erinnern. Ein Versuch in 1950er Jahren, das Ensemble zu zerstören, scheiterte an der mangelnden Kraft des Bulldozers. Heute ein faszinierendes Monument der Avantgarde und ein Publikumsmagnet.

Eigentlich sind es drei Maler, die der Moderne  in Deutschland den nötigen Schwung geben: Lovis Corinth, Max Slevogt und Max Liebermann, der stets im Rampenlicht steht. Ist er doch schon Ende des 19.Jahrhunderts eine renommierte  Adresse.

Sein wohlhabendes und intellektuelles Elternhaus erlaubt ihm, 1873 ein Atelier auf dem Montmartre zu mieten, im Herzen des französischen Impressionismus. Doch als Deutscher wird er, nach dem verlorenen Krieg 1871/72, keinesfalls geschätzt.  Er macht Ausflüge in die Szene von Barbizon und verbringt 1874  etliche Monate in holländischen Zandvoort und in dieser Ecke Europas findet Max Liebermann seine Heimat als Maler. Es entstehen lichtdurchflutende Alltagsszenen der „kleinen Leute“  wie 1880 das „Altmännerhaus“ und die berühmte “ Freistunde im Amsterdamer Waisenhaus“.

Inspiriert von lichten Farben der Impressionisten, bekommen seine Motive viel Charmantes, ohne die Realität romantisch zu verklären. Auch gelingt es Liebermann das Licht im geschlossenen Raum einzufangen im Gegensatz zu seinen französischen Kollegen, die nur in der freien Natur malen.  Die französische Kunstpresse ist begeistert. Doch seine traditionellen Wurzeln kann er nur schwer ablegen, er kehrt zu einem „heiteren“  Naturalismus und nach Berlin zurück, wohl bewusst der Widerstände, die auf ihn warten.

In den besseren Kunstkreisen Deutschlands und besonders im Umfeld des Kaisers liebt man die dunkeltonige akademische Malweise, der Alltag der schuftenden Bevölkerung als Gemälde findet kaum Interesse.

1892 kommt es zur Gründung der Berliner Secession als Gegenpol zur konservativen Akademie, doch das reaktionäre Klima des Kaiserreichs spricht von Rinnsteinkunst.  Auch die erste Ausstellung von Edvard Munch 1905  in Deutschland fand keine Gnade in Berlin und musste geschlossen werden.

Doch ein Lichtblick naht mit der Berufung von Hugo von Tschudi als Direktor des Nationalgalerie, der den Impressionismus liebte und mit Liebermann als Berater umgehend nach Paris reiste. Zu gerne hätte man Manets “ Der Wintergarten“ erworben, doch man fürchtete sich vor der Kritik.

Mit dem Maler Liebermann jedoch geht es voran, zu seinem 50. Geburtstag bekommt er einen eigenen Saal in der Nationalgalerie. Dazu die Ernennung zum Präsidenten der Berliner Secession, als seine Sekretäre lassen sich die weltoffenen Galeristen Bruno und Paul Cassirer gewinnen.

Um 1900 ziehen mit Lovis Corinth und Max Slevogt neue Mitglieder der Secession nach Berlin, der erbitterte Widerstand der Akademie gegen die Moderne bricht langsam zusammen.  Allerdings hat das Pflänzchen Deutscher Impressionismus schwache Wurzeln und gehört schon vor Beginn des Ersten Weltkriegs zur Vergangenheit. Es beginnt die Ära des Expressionismus.

Um 1910 wird die Villa am Wannsee das neue Refugium von Max Liebermann und der Garten zu einem Quell zahlloser Gemälde. Die Reisen in die Niederlande sind passé und aus dem Querelen der Berliner Kunstszene hält er raus. Doch auf seinen zugkräftigen Namen kann man nicht verzichten, 1920 wird er Präsident der Berliner Akademie der Künste,  die Berliner Secession ist heillos zerstritten und ohnehin am Ende.

Die Wirren der Weimarer Republik, dazu der zuzunehmende Antisemitismus drehen der Deutschen Moderne die Luft ab. 1933 legt Liebermann alle Ämter nieder, er kann noch wichtige Werke in die Schweiz schaffen und stirbt 1935 in seinem Berliner Haus.  Die deutsche Moderne endet in der Ausstellung „entartete Kunst“ 1937.

Die Ausstellung „Avantgarde. Max Liebermann und der Impressionismus in Deutschland“ ist bis zum 7.Juni im Museum Barberini Potsdam zu sehen. Es gibt einen Audioguide und einen umfangreichen Katalog, erschienen im Prestel Verlag. www.museum-barberini.de  

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Eine Architektur mit Teppichboden, weichen Kissen, Fadenvorhängen und viel blaues Licht empfängt den Besucher, besser kann man sich nicht auf die Arbeiten der Künstlerin einstimmen. Besonders der zentrale Raum mit der 3-Kanal Videoinstallation, wo der Besucher auf einer Bank Platz nimmt, aber sich drehen muss, um den beiden anderen Videos zu folgen.

In ihrem Video “ The Moon is wet“  werden drei  Geschichten erzählt. Da ist die Meeresgöttin Mazu, die im gesamten südchinesischen Region verehrt wird. da sind Frauen aus China, die ab den 1930er-Jahren als Hausangestellte in Singapur gearbeitet haben und seit den 1970er-Jahren kommen die helfenden Hände aus Südostasien.

Diese Frauen entscheiden sich gegen die Ehe und leben oft in Gemeinschaften. Schon immer ist die Regierung in Singapur bestrebt, nationale Identitäten zu unterdrücken und nur Englisch und Mandarin als Sprache zu akzeptieren. Doch in dem Video von Charmaine Poh hört man kantonesisch, der Dialekt der ehemaligen Putzhilfen aus China und indonesisch, die Sprache der heutigen Angestellten, dazu Hokkien, die Sprache der Meeresgöttin.  Charmaine Poh gibt Ihnen eine Stimme und zeigt, dass in ihrer Kultur auch in der Diaspora eine sehr enge Verbindung zu ihren Familien besteht. Natürlich ist es auch ein Widerstand gegen die Medienpolitik von Singapur.

Eigens für diese Ausstellung im Palais Populäre wurde die Videoarbeit „the Moon is wet“ konzipiert. Faszinierend schön und sehr eindringlich zeigen sich die Probleme der Finanzmetropole Singapur, die ohne weltweiten Handel nicht überleben kann und ihre Ressourcen ans Limit bringt. Der steigende Wasserbedarf und die wachsenden Stadt bedrohen die Mangrovenwälder in der Peripherie, die für die Ökologie dieser Region unerlässlich sind.

Charmaine Poh, 1990 in Singapur geboren, ist 2025  zum „Artist of the Year“ der Deutschen Bank ausgewählt worden. Sie hat in Berlin studiert, lebt in Singapur und Berlin.

Das Video zeigt allerdings nicht die reale Person, sondern als Deepfake-Avatar namens E-Ching,  geschaffen mit KI und archiviertem Filmmaterial. Dieser Mix aus  Realität und Virtualität, Authentizität und Performance ist eine klare Kritik an der Medienlandschaft und sollte un vor der Zukunft warnen.

„Make a Travel of your inside deep and don’t forget me to take“ ist der Titel in holprigem Englisch ihrer ersten Einzelausstellung und ein Art Auffangbecken ihrer zahlreichen Themen wie Identität, Machtstrukturen, Ökologie, Resilienz.

Die Ausstellung ist noch bis zum 23, Februar im Berliner Palais Populaire zu sehen. www.palaispopulaire.db.com   Zur Ausstellung gibt es einen sehr schönen Katalog, erschienen im Kerber Verlag.

Auch im München, in der Behncke Gallery war Charmaine Poh mit sechs Videostills zu sehen.  www.behncke-gallery.com   

Der Plattenbau gilt als Symbol einer sozialen Utopie und besonders in der ehemaligen DDR als Versuch einer gesellschaftlichen Veränderung. Natürlich steht der erhebliche Bedarf an Wohnungen im Vordergrund nach den Verheerungen des Zweiten Weltkriegs. Bei einer ähnlichen Situation beschränkten sich diese Wohnsilos im Westen Deutschlands auf den sozialen Wohnungsbau.

Aus der Not geboren, wird in der DDR ein gewaltiges Bauprogramm ins Leben gerufen, es muss schnell gehen und preiswert sein. Die Idee des Plattenbaus stammt allerdings schon aus den frühen 1920er Jahren und wird im Laufe des 20. Jahrhunderts an vielen Teilen der Welt realisiert.

Von 1991 -94  hält Sabine Moritz ihre Umgebung in der Siedlung Jena -Lobeda in unzähligen Zeichnungen fest. Sujets von Architektur und Inneneinrichtung, nirgendwo sind Menschen zu sehen.

In Gegensatz zur Tristesse, die viele Arbeiten in der aktuellen Ausstellung „Wohnkomplex. Kunst und Leben im Plattenbau“ ausstrahlen, erfreuen sich diese Siedlungen zur  Zeit ihrer Entstehung einer hohen Nachfrage. Die Menschen sehnen sich nach Komfort wie Zentralheizung, Toilette in der Wohnung, Badezimmer mit Badewanne und natürlich fließendes Wasser. Dabei ist die Miete nur geringfügig höher als für eine herkömmliche Altbauwohnung.

Wie ein Video zeigt, leben auch heute viele Menschen sehr gerne dort, schätzen die Nähe einer Schule und Einkaufsmöglichkeiten. Leider als Folge der Entvölkerung sind viele Wohnungen leer oder werden mit Migranten aufgefüllt, was zu sozialen Spannungen führt.

Auf der Suche nach Individualität schaffen sich die  Bewohner solcher Wohnsilos ihr eigenes Reich auf den Balkonen.  Wie ein zusätzliches Zimmer genutzt und dekoriert.

Sehr drastisch zeigt Uwe Pfeifer aus Halle die Anonymität und Seelenlosigkeit des Alltags. Fast wie Roboter muten diese Menschen an.

Niedergang in Perfektion. Eine einstige Kaufhalle mit ihrem typischen Wellendach ist geschlossen, die Glasflächen mit Holzbrettern vernagelt, der Beton bröckelt. Der Wolf ist zurück. Christian Thoelke, in Ostberlin geboren, macht sich den Niedergang des einstigen DDR -Alltags zum Thema.

Dem berühmten „Schrei“ von Edvard Munch nachempfunden, symbolisiert Sebastian Jung 2025 mit „Ost-Schrei“ die aktuellen Verhältnisse im Osten Deutschlands. Seien es Landflucht, Migrantenhetze, Radikalisierung. Doch neben dem Ausdruck kollektiver Wut drängt sich dem Betrachter auch die Einsamkeit des einzeln auf.

Schon immer macht Das Minsk einen Bogen um den Mainstream. Nur wenige Gehminuten vom Museum Barberini entfernt, könnte der Kontrast nicht größer sein. Da der elegante Palast am Ufer der Havel mit Blockbuster- Ausstellungen,  dagegen findet man „Das Minsk“ in einem ehemaligen Terrassenrestaurant am Brauhausberg, das mit anspruchsvollen Themen und grandiosen Katalogen brilliert.  Im Barberini stauen sich die Besucher,  während Das Minsk nur wenige anlocken kann.

Die Ausstellung „Wohnkomplex -Kunst und Leben im Plattenbau“ ist im Das Minsk in Potsdam bis zum 8. Februar zu sehen. Dazu gibt es einen sehr schönen Katalog, erschienen im Distanz Verlag. www.dasminsk.de

Schon lange gehört Wolfgang Laib zur internationalen Kunstszene, dabei ist der Schwabe ganz eigene Wege gegangen. Ungewöhnliche Materialen wie Blütenstaub, Wachs, Milch und Stein machen seine Kunst so außergewöhnlich. Man spürt die Wahrhaftigkeit, begründet im tiefen Verständnis für uralte Traditionen in Indien und Japan.

Sein Weltbild  ist von Jainismus beeinflusst, der sich viel strenger als der Buddhismus von Gewaltlosigkeit und Askese bestimmt wird. Die erste Begegnung mit asiatischer Denkweise erlebt der junge Wolfgang Laib im Zürcher Museum Rietberg. Alleine schon die geduldige Gewinnung von Blütenstaub verlangt nach Meditation und notabene wird nach jeder Ausstellung die gelbe Kostbarkeit wieder akkurat eingesammelt. Ein Symbol für Entstehen und Vergehen.

Sein Werden als Künstler beginnt Anfang der 1970er Jahre mit dem Milchstein. Dabei wird Milch in ein Rechteck aus weißem Marmor gegossen und es entsteht eine makellos weiß glänzende Oberfläche. Ein kurzes Glück, denn nur für einem Tag sind Marmorplatte und Flüssigkeit eine Einheit. Dann wird die Milch sauer und muss erneuert werden. Das ist an die asiatische Philosophie angelehnt, dort gehört die Verschmelzung von Gegensätzen zu den elementaren Eigenschaften des Lebens.

Wirklich überwältigend ist seine Strukturen aus Blöcken von Bienenwachs. Das duftende Material, die dunkelgelbe Farbe und die stattliche Größe machen Eindruck Ganz klassisch hergestellt mit Haarfön und Bügeleisen.

Die Ausstellung  Wolfgang Laib – die Berührung des Essenziellen – ist seit dem 3.Oktober im Kunsthaus Zürich zu sehen. Dazu gibt es einen eleganten und sehr informativen Katalog.  www.kunsthaus.ch

Allerdings zieht das Gebäude, entworfen Ende der 1990er Jahre von Heinz Tesar, schon die Blicke auf sich und passt eigentlich wenig in seine biedere Umgebung.

Es war die Heimat der ambitionierten Sammlung Essl, die 2016 schließen musste und nun, acht Jahre später, von der Albertina als drittes Standbein weitergeführt wird. Ganz im Sinne der früheren Eigentümer widmet man sich hier der Kunst nach 1945, wobei etliches aus den zahlreichen Schenkungen der letzten Jahre zum ersten Mal  zu sehen ist.

Die Ausstellungen in Klosterneuburg stammen ausschließlich aus dem Bestand der Albertina. Die Eröffnung zeigt drei getrennte Themen mit „Pop Art – The bright Side of Life“ , dann  „Von Hundertwasser zu Kiefer“ und einen Schwerpunkt auf Skulptur mit „Die lädierte Welt“.  Spannend für jeden Nichtösterreicher sind Qualität und Menge an einheimischen Künstlern.

Das Museum ist von Donnerstag bis Sonntag 10-18 Uhr geöffnet. Die aktuelle Ausstellung ist bis zum 3.Oktober zu sehen. www.albertina.at   

Zur „Kunst der Gegenwart“ der Albertina ist ein Katalog erschienen.

Im Innern wartet  ein spannender  Spaziergang durch die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts. Es macht Spass, diese Ikonen der Moderne wiederzusehen oder zu entdecken.

Im Mittelpunkt steht ein grandioses Werk von Gustav Klimt “ Kirche in Unterach am Attersee“, zu sehen in einem Kabinett unter dem Titel „Focus“. Zukünftig wird ein zentrales Thema präsentiert wie aktuell das Quadrat. Im Wien um 1900 war dieses Format sehr beliebt und hat bis heute seinen Reiz nicht verloren. Nun lockt ein wahrer Augenfänger und der Betrachter glaubt, diese Szene wäre von einem  Boot gemalt worden. Aber der Künstler stand mit einem Fernrohr auf der anderen Seite des Attersees.

Gesellschaft in diesem Kabinett leisten Josef Albers mit seinem Quadrate im Quadrat und ein Stickbild von Alighiero e Boetti, entstanden aus den Farben und der Handwerkskunst Afghanistans.

Mit dabei auch die Schweizerin Sylvie Fleury und ein hinreißender Paul Klee.

Der amerikanische Superstar der Pop Art hatte Franz Marc als großes Vorbild,  in der aktuellem Ausstellung als direkten Nachbarn.

Noch einen mächtigen Sprung in die Jetztzeit mit Anselm Kiefer und seiner Sappho. 150 Werke vom Expressionismus bis in die Gegenwart warten auf die Betrachter und erinnern an die erfolgreiche Ausstellung WOW! 2018 im Wiener Leopold Museum.

Die Ausstellung ist bis zum 25. August zu sehen und sehr empfehlenswert ist die App Smartify, dort werden wissenswerte Einblick in die Sammlung vermittelt. www.hortencollection.com 

Im Garten ist ein Neuzugang eingetroffen, ein Elefant, der auf seinem Rüssel steht. Auf Mallorca geboren, gehört er heute den führenden Künstlern Spaniens mit internationalem Renommee.

Dabei sind die massiven Probleme eine schöpferische Kraft für die Architektur in Bangladesh, wo es nach westlicher Betrachtungsweise an vielem mangelt.

Aber Marina Tabassum, in Dacca geboren,  hat die Herausforderung angenommen und entwirft eine Architektur im Einklang mit der Tradition, dem Klima und der Kultur im Ganges-Deltas. Dabei spielen lokale Materialien wie der beliebte Backstein und notabene die Atmosphäre eine tragende Rolle, besonders in spirituellen Gebäuden wie der Moschee Bait Ur Rouf aus dem Jahr 2012.

Es ist eine Symphonie aus Backstein und Licht entstanden und brachte ihr 2016 den renommierten Aga Khan Award.

Seit Menschengedenken lebt dieses Land im gewaltigen Delta von Ganges, Brahmaputra und Meghna von den Überschwemmungen, um die Felder fruchtbar zu halten. Doch mit dem steigenden Meeresspiegel versalzen die Flächen und die Ernten fallen aus. Hinzu kommt das gewaltige Wachstum der Bevölkerung, noch verstärkt durch den Ansturm von Migranten, die Hauptstadt Dhaka zählt aktuell 15 Millionen Menschen.

So lag es auf der Hand ein preiswertes Haus für die Bewohner des Ganges-Delta zu konzipieren, das sie nach einem Unwetter wieder selbstständig aufbauen konnten. Dieses Projekt wurde 2017 mit Studenten und einheimischen Handwerkern während Tabassum Lehrtätigkeit an der Harvard Universität realisiert.

Bemerkenswert an diesem Hochhaus ist die Tatsache, dass ohne Klimaanlagen gebaut worden, denn der kühlende Wind wird durch Verschiebungen in der Backsteinfassade geleitet. Dazu plätschern Brunnen im Innern des Gebäudes.

In der Ausstellung werden verschiedene öffentliche und private Bauprojekte gezeigt, die sie 1995 zunächst mit dem Architekturbüro Urbana und seit 2005 mit ihrem eigenen Büro umgesetzt hat.

Dazu zählen das Denkmal und Museum für Unabhängigkeit in Dhaka genauso wie ihr Engagement für die 1,2 Millionen Rohingya- Flüchtlinge, für die sie ein kostengünstiges, mobiles, modulares Haussystem aus Bambus entwarf.

Die Ausstellung ist bis zum 11. Juni im Architekturmuseum München zu sehen. Der schön gemachte Katalog zur Ausstellung und Person Marina Tabassum kostet 48 €.  www.architekturmuseum.de 

Bald nach der Machtergreifung Adolf Hitlers 1933  wurden alle wichtigen Museen Deutschlands nach „entarteter Kunst“ durchforstet. Über 21 000 Bilder wurden 1937  von dem NS – Regime beschlagnahmt und in Berliner Depots eingelagert. Besonders jene Werke lagen im Fokus, die bereits als Moderne in der Kunstszene etabliert waren,  denn sie versprachen die dringend benötigten Devisen. So lag die Hoffnung auf 780 Gemälden und 3500 Papierarbeiten, der Rest von tausenden von Arbeiten und Zeichnungen wurden wissentlich verbrannt.

Immer will  die Vernichtung von Kunstwerken den Gegner demütigen und seiner kulturellen Grundlagen berauben. So geschehen mit den geplünderten Museen in der Ukraine oder vor wenigen Jahren die Zerstörung irakischer und syrischer Kunstschätze. Auf das Raubgut warten interessierte Käufer, die aus der Situation ein treffliches Geschäft machen.

In jenen Jahren wollte der damalige Direktor des Kunstmuseums Basel, Georg Schmidt, eine Sammlung moderner europäischer Kunst in seinem Haus aufbauen und hatte in seiner Zeit als Journalist die deutsche Kunstszene kennengelernt.

Kurz vor dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs wurden in Luzern 125 Gemälde durch die Galerie Theodor Fischer versteigert. Schon vor diesem Termin reiste Schmidt nach Berlin und verschaffte sich einen Überblick über das Angebot, ließ sich etliche Bilder direkt nach Basel schicken.

Dieses Bild von Franz Marc war das erste von 21 Gemälden, die von der Basler Museum angekauft wurden  und zum Grundstock einer grandiosen Sammlung moderner europäischer Kunst wurden. Dabei war der Erwerb von den Nazis keinesfalls unumstritten, doch letztendlich genehmigte die Kunstkommission 50 000 Franken, das wäre circa 1,5 Millionen heutzutage.

Dieses Bild von Picasso war den Baslern damals  zu teuer und so konzentrierte man sich auf die preiswerteren Werke der deutschen Moderne.

In der aktuellen Ausstellung sind die Ankäufe von 1939 zu sehen und es ist auch gelungen, jene Gemälde auszuleihen, die damals nicht erreichbar waren. Sei es aus finanziellen Gründen oder durch potente Sammler aus den USA und dem Museum für Schöne Künste im belgischen Lüttich.

Zu sehen  bis zum 19. Februar im Kunstmuseum Basel. Unbedingt lesenswert ist der informative und qualitativ hochwertige Katalog, zu kaufen im Museumsshop. www.kunstmuseumbasel.ch

Auch sollte man etwas Zeit für die Ausstellung „Der Sammler Kurt Glaser“ mitbringen, die sich mit dem Schicksal eines jüdischen Berliner Kunstsammlers beschäftigt.

Franz Marc – die großen blauen Pferde, 1911.

Das Gemälde gehörte dem Ehepaar Edda und Curt Glaser, wurde aber später aus freien Stücken verkauft und hängt heute im Walker Art Center in Minneapolis.

Natürlich kam auch diese Sammlung ins Visier der Nazis und 1933 musste das Ehepaar sämtliche Werke zu einer Versteigerung geben. Damals kaufte die Basler Kunstkommission  200 Zeichnungen und Druckgrafiken für ihr Kupferstichkabinett.