Offensichtlich liebt er das Image eines rumänischen Bauern, der inmitten seiner groben Werkzeuge und Materialen wohnt. Dabei ist er keinesfalls ein selbstverlorener Eremit, sondern versteht sich perfekt als Selbstvermarkter mit einem gut etablierten Netzwerk aus Geldgebern, Künstlerfreunden, Sammler und Galeristen. Doch die ständige Infragestellung seiner Werke, die Abwertung als Kunsthandwerk, lässt ihn viele Male eine weitere Ausstellung ablehnen, verkriecht sich lieber in sein Atelier. Die Nummer 8 ist Werkstatt, Wohnort und Heimat, von 1916  bis zu seinem Tod 1957. Man findet ihn in einem Kreativquartier in der Impasse Ronsin, das damals viel ländlichen Charme mitten in Paris verströmt.

Geboren 1875 im Südwesten Rumäniens, der Kleinen Walachei, flieht er als junger Mann vor der Gewalt des Elternhauses. Es gelingt es ihm, in Craiova und Bukarest Kunst zu studieren, dann macht er sich auf in den Westen. Über Stationen wie München und Wien landet er 1906 im Pariser Bohèmeviertel Montparnasse. Schon in Bukarest hat er von Auguste Rodin und seinen kühnen Skulpturen gehört und es gelingt ihm, bei diesem Bildhauer unterzukommen.  Ein kurzes Glück, denn Brâncusi sieht seine Welt jenseits des Realismus.

Die Suche nach der Essenz.

Schon 1907 verblüfft Brâncusi mit dem Kuss, so ganz anders als das Werk von Auguste Rodin. Das Publikum ist vielfach überfordert und in Deutschland stößt er auf harsche Ablehnung.  Dabei In Kennerkreisen keineswegs unbekannt, so war er 1913 mit 6 rumänischen Kollegen bei der „Internationalen Kunstausstellung“ im Münchner Glaspalast vertreten, dann 1927 in der Hamburger „Europäische Kunst der Gegenwart.  Von der Kritik als Kunstgewerbe abgetan ebenso wie die Arbeiten von Rudolf Belling und Henri Laurens. Auch die Berliner Galerie von Alfred Flechtheim zeigt 1929 zwei Werke von Brâncusi,  der „Torso“ aus Onyx und eine „Schlafende Muse“ aus Gips. Allein die deutsche Avantgarde-Presse hat sein Genie längst erkannt und bejubelt seine Suche nach dem Elementaren.

Großer Erfolg bei Armory Show

1931 wird Brâncusi zur Armory Show eingeladen und New York ist begeistert. Das Erstaunliche, dass er trotz des Erfolges und notabene vieler Freunde, völlig unbeirrt seinen Weg geht.  Niemand kann ihn überreden, sich einer der damals zahlreichen Kunstrichtungen anzuschließen, wie ein Monolith nähert er sich in kleinen Schritten seiner Idee von Kunst.

Es gibt nur wenige Motive

Constantin Brâncusi hat zeitlebens nur wenige Motive geschaffen,  doch daran hat es sich abgearbeitet, immer weiter auf dem Weg der Reduktion. Dazu gehört auch der Vogel, es gibt wohl 30 Versionen, in Marmor, Bronze und Gips. Mit der Zeit werden die Vögel immer schlanker, geradezu fragil und in polierten Erscheinung beinahe außerirdisch.

Auch eine Eigenart von Brâncusi, wenn das Original verkauft ist, gibt es nur mehr Repliken.

Für den Künstler gehört der Sockel zum Kunstwerk und so zeigt die Ausstellung in Berlin auch zahllose Varianten .

Seit 1915  fotografiert Constantin Brâncusi seine Werke, sein Freund Man Ray hat ihn in dieses Metier eingeführt. So sind in seinem Nachlass, den er dem französischen Staat vermacht hat, unzählige Fotografien, Filme, Briefe und sogar Rechnungen. Das Quartier am Impasse Ronsin wird in den 1970er Jahren ein Opfer der Erweiterung des Hôpital Necker und heute kann man die Werkstatt auf dem Vorplatz des Centre Pompidou besuchen, entworfen von Renzo Piano.

Das Atelier mit seinen vielen Werkzeugen durfte zum großen Teil nach Berlin umziehen. Sämtliches Arbeitsgerät  und das Mobiliar hat Brâncusi selbst angefertigt.

Für die Neue Nationalgalerie in Berlin ist es ein Glücksfall,  dass das Centre Pompidou über 5 Jahre renoviert wird und  daher rund 150 Exponate wie Skulpturen, Zeichnungen, Filme und Fotografien nun in Berlin zu sehen sind.  Die Ausstellung ist bis zum 9.August in der Neuen Nationalgalerie Berlin zu sehen. www.smb.museum

Sehr sehenswert ist das Video über Brancusi in der Arte -Mediathek, man erfährt viel über seine rumänische Heimat und seine Kunst im öffentlichen Raum wie das weltbekannte Ensemble târgu jiu  mit dem Tisch des Schweigens, dem Tor des Kusses und der Säule der Unendlichkeit.  Als Auftrag der Frau des damaligen Ministerpräsidenten 1935  errichtet,  soll es an die gefallenen Soldaten des Ersten Weltkrieges erinnern. Ein Versuch in 1950er Jahren, das Ensemble zu zerstören, scheiterte an der mangelnden Kraft des Bulldozers. Heute ein faszinierendes Monument der Avantgarde und ein Publikumsmagnet.

Natürlich versuchen die  Zeitgenossen, diese magnetische Ausstrahlung seiner Bilder von Cezanne, darunter Claude Monet oder Paul Gauguin.

Zahllose Künstler lassen sich von Cezanne inspirieren. Die Empfindung steht im Vordergrund wie bei der überwältigenden Farbfeldmalerei eines Mark Rothko, dem Action Painting von Jackson Pollock, die Phantasien von Farbe und Form eines Wassily Kandinsky.

Starke Emotionen lösen die Arbeiten von Louise Bourgeois aus, oftmals auch pure Abneigung oder Desinteresse. Die „Spinnen“  sind eines ihrer Markenzeichen geworden.

Die Sammlungspräsentation „Sensations“ ist bis zum 26.April in der Fondation Beyeler zu sehen. Nach den vielen Besuchern vor den Bildern von Cezanne bietet die   Ausstellung „Sensations“ etwas Erholung und mit diesen erstklassigen Arbeiten auch eine große Bereicherung.  www.fondationbeyeler.ch  

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1839 in Aix en Provence geboren, geht Paul Cezanne einen holprigen Weg der mangelnden Anerkennung, um schließlich als viel bewunderter Maler in die Kunstgeschichte einzugehen. Mit dem Tod seines Vaters, der ihn immer unterstützte, muss sich Cezanne nun keine Gedanken über sein Auskommen machen. Mitte der 1880er Jahre kehrt er in seine „Provence“  zurück und lockt mit Gemälden, die jedes Jahr Abertausende von Besuchern in seine Heimat locken.

58 Ölgemälde und 21 Aquarelle bieten ein einmaliges Erlebnis und dürften wahrscheinlich auf diese Weise nie mehr gezeigt werden.  Seien es die rar ausgestellten Kartenspieler oder 14 seiner berühmten Stilleben mit Früchten.

Dabei spielen die Motive bei Cezanne eine untergeordnete Rolle, es sind die Emotionen, die seine Bilder auslösen. Mit dicken Pinselstrichen kommt die Farbe auf die Leinwand und man schaut auf unzählige Schattierungen von Grün, Blau und Braun. Dabei erinnert das Ocker an die Gegend von Roussillon, wo die Erde abgebaut und als Pigment verkauft wurde.

Es sind die Landschaften, die in seinem Spätwerk noch intensiver ansprechen und in unserer Zeit der Hektik mit ihrer unfassbaren Stille und Harmonie wie ein Magnet für die Augen wirken.

Cezanne hatte eigentlich nur wenige Motive,  aber an diesen Themen hat er sich abgerackert und oftmals über Monate an ihrer Ausdruckskraft gefeilt. Man denke nur an seinen Montagne Sainte Victoire, quasi der Hausberg von Aix en Provence, und heute weltbekannt. Zwischen 1880 und seinem Tod 1906 malte er 30 Versionen, in der Ausstellung sind sieben Ölgemälde und etliche Aquarelle zu s,ehen.

Immer bleibt Cezanne seiner Idee treu, Stimmungen zu erzeugen und legt auf Anatomie und Proportion oftmals wenig Wert. Wie in einem  Schlüsselwerk, wo der Arm des „Knaben mit der roten Weste“  viel zu lang ist oder  die „Sieben Badende“  die scheinbar in die Wolken wachsen wollen. Auch bei „Die Kartenspieler“ ist der Körper viel zu groß für die kleinen Köpfe.

Im Anschluss an die Ausstellung wird der Kurzfilm „Cezanne on art 2025“ mit Albert Oehlen gezeigt. Gedreht unter dem Regisseur Oliver Hirschbiegel an den Originalschauplätzen des Montagne Sainte-Victoire und dem Steinbruch von Bibémus.

Die Ausstellung ist bis zum 25.Mai 2026 in der Fondation Beyeler zu sehen. Es gibt einen Audioguide und einen Katalog, erschienen im Hatje Cantz Verlag. www.fondationbeyeler.ch     

Die Zeit zwischen den beiden Weltkriegen prägt Raoul Hausmann.

1913 bis 1933 war seine Epoche, 1915 lernt er die hochbegabte Hannah Höch kennen, es wird eine 7jährige tragische Liebesbeziehung. 1918 kommt Dada nach Berlin und krempelt seine Vorstellung von Kunst total um, für ihn eine Befreiung von allem Konventionellem.

Die Berlinische Galerie in Kreuzberg 

Sie ist die Hüterin  der weltweit größten Sammlung von Raoul Hausmann, wobei vieles von seinem Frühwerk in den Kriegswirren verloren gegangen ist. Auch  die Stationen seines Exils in Frankreich und zahlreiche Museen sind Leihgeber für diese sehenswerte Ausstellung. Es lohnt sich, mit Muße die Briefe und Notizen zu studieren, denn  Hausmann war ein genialer Netzwerker, kannte jeden im damaligen Schmelztiegel der Kunst, bevor die Nazis grandiose Köpfe zur Flucht zwangen.

Begünstigt durch sein solides handwerkliches Können, erinnern erste Werke an Picasso oder Chagall, aber die radikale Denkweise von Dada wird zu seinem großen  Spielfeld, das er nie verlassen wird. Selbst in den 1960er Jahren hofft er auf eine Wiedergeburt, wie in der Ausstellung zu sehen.

Angetrieben durch sein extremes Selbstbewusstsein hat Hausmann jede Entwicklung auf dem Gebiet der Kunst aufgesogen und mit großer Energie weiterentwickelt. Raoul sieht sich weniger als Maler, „Der Maler malt, wie der Ochse brüllt“, da bietet Dada mit Text und Collage ein viel spannenderes Umfeld, sieht er ab 1927  in der Fotografie mit ihren technischen Spielereien eine Erweiterung des Sehens.

Die Flucht ins Exil

Wegen Ehefrau Hedwig Mankiewicz und Freundin Vera Broido muss Hausmann Deutschland 1933 verlassen und findet ab 1944 eine neue Bleibe im ländlichen Limoges. Mittlerweile über 70 Jahre alt, sieht mit Fluxus und Neo-Dada eine zaghafte Wiedergeburt von Dada, lässt von jungen Kollegen inspirieren. Doch seine fortschreitende Erblindung bringt sein künstlerisches Schaffen zu einem Ende.

Die Ausstellung „Raoul Hausmann – Vision, Provokation, Dada“ ist noch bis 16 März in der Berlinische Galerie, Belin zu sehen. Zur Ausstellung gibt es einen sehr schönen und detaillierten Katalog, erschienen im Verlag Hatje Cantz. www.berlinischegalerie.de    

Louise Nevelson, eine schöne selbstbewusste Frau, ist ein Star der New Yorker Szene in den 1960er Jahren. 1899 bei Kiew geboren wird sie zu einer Pionierin der Installationskunst. Ihre Assemblagen sind gewaltig, meist schwarz  und immer wahre Augenfänger.

Heute zählt sie zu den bedeutenden Bildhauerinnen der USA im 20.Jahrhundert, wird in den Jahren 1964 und 1968 zur Documenta in Kassel eingeladen und ihre Arbeiten sind 1962 auf der Biennale in Venedig ausgestellt.

Nach ihrem Studium in New York Anfang der 1930er Jahre, machte sie ausgedehnte Reisen nach Europa. 1933 entstehen ihre ersten Skulpturen, 1941 findet die erste Einzelausstellung statt. In den 1950er Jahren wagt sie sich an ihr Markenzeichen, die gewaltigen Assemblagen.

New York ist die größte Collage der Welt

Fest mit dem Namen Louise Nevelson verbunden  sind ihre monströsen  Assemblagen,  aber das Museum Wiesbaden hat den Fokus auf  ihre Collagen, eher kleinformatig und eher unbekannt.  Sie entstehen von 1953 bis zu ihrem Tod 1988, freistehend, oder in Rahmen gesetzt oder als wandfüllende Reliefs. Ähnlich ihren Assemblagen werden Fundstücke wie benutzte Papierschnitzel oder Holzabfall verwendet, die Louise Nevelson auf ihren Spaziergängen durch New York entdeckt. Ohnehin ist „New York die größte Collage der Welt“für die Künstlerinnen .

Poesie des Suchens

Ihre Suche nach den Fundstücken und die anschließende Komposition in Collagen betrachtet Louise Nevelson als die „Poesie des Suchens“. Künstler seien die geborenen Sammler, auch bedingt durch die Materialknappheit in den 1950er Jahren. Dass alle gebrauchten Objekte natürlich eine Vergangenheit haben, veranlasste Louise Nevelson, den „Abfall“ in ihre Kunst einzubauen. Es entsteht Ihre eigene Welt aus Bruchstücken eines gelebten Alltags.

Schwarz ist ihre ultimative Farbe. Eine Aristokratin unter den Farben.

Monochromes Schwarz ist das Medium von Louise Nevelson und es wird immer großzügig versprüht. So vermeidet sie den individuellen Charakter der Einzelteile, sondern zwingt sie in eine große Einheit.

Ganz anders die Collagen, wobei Kreise und Rechtecke bei all ihren Arbeiten auftauchen.  Doch es wird viel Farbe sichtbar, jedes Detail wird sorgfältig bearbeitet.

Die Ausstellung ist noch bis zum 15.März im Museum Wiesbaden zu sehen. Es gibt einen informativen Audioguide und einen Katalog, erschienen im Hirmer Verlag.  www.museum-wiesbaden.de 

Zu verdanken hat Dresden diese Ausnahmestellung einer Schenkung von Egidio Marzona, dessen Leidenschaft der Arte Povera, dem Fluxus, der MinimalArt und Konzeptkunst gehört.

Geboren wurde Egidio Marzona in Bielefeld als Sohn einer Familie, die um 1900 aus dem Friaul einwanderte und in Deutschland ihr Glück gemacht hat. Dabei  sammelte der ehemalige Galerist nicht nur die begehrten Multiples,  sondern widmete sich auch dem Umfeld von Briefen, Fotografien, Entwürfe, Zeitschriften und Kataloge.

Fluxus ist mit Abstand die unkonventionellste Kunstrichtung des 20.Jahrhunderts, dabei nicht so schräg wie DADA aus den 1920er Jahren, sondern oftmals witzig und intellektuell herausfordernd. Damit hat sich Dresden mit ihrem “ Archiv der Avantgarden“ auf ein schwieriges Terrain gewagt, denn auf  diese kleinteiligen Objekte muss man sich einlassen. Zu sehen sind rund 90 Arbeiten, Werke von Fluxus-Mitgründer George Maciunas, Ben Vautier mit seinen typischen Schriftbildern dann Wolf Vostell die treibende Kraft von Fluxus in den 1960er Jahren., die verspielte Yoko Ono mit ihrer kleinen Box of Smile. Und natürlich Josef Beuys, der sich mit seinen Happenings auf Fluxus-Festivals in Szene setzte.  Für alle steht nicht das Kunstwerk, sondern die schöpferische Idee im Mittelpunkt. Diese Gedanken werden später in der Konzeptkunst verfolgt.

Die Fluxusarbeiten entstehen meist aus einfachsten Materialen und wie schon bei Dada verwendet man gerne Papier. Auch bereits bedrucktes, das dann dann zerschnitten und zu einem neuen Objekt erklärt wird. Großes  Vorbild ist Marcel Duchamp, der den Alltag auf einen Sockel setzte und zur Kunst deklarierte.

Auf den ersten Blick lassen sich wenig Gemeinsamkeiten unter den Künstlern erkennen, aber manche schaffen es zu beachtlicher Bekanntheit. Geholfen hat sicherlich die Idee von Sammelobjekten, die preiswert hergestellt und sich als Editionen verkaufen ließen. Es entstehen die Multiples, gerade ein Markenzeichen für Fluxus und ein Weg, nicht in der Kunstgeschichte zu verschwinden.

Eine Attraktion ist eine Holzbox mit 5 Recordern und 25 Endloskassetten. Man hört Aufnahmen von Mozart -Kompositionen, mit unterschiedlichen Länge. Der Besucher wählt die Bänder selbst aus und wird zu einem aktiven Teil des „Happenings“.

In der Dresdner Ausstellung werden digitale Fassungen der Kassetten verwendet, die CD-Player an der Wand dürfen die Besucher selbst bedienen und die CD’s im Sinne von John Cage abspielen. Das bedeutet, durch die unterschiedlichen Längen der Musikstücke entstehen immer Klangkonstellationen.

Die Ausstellung „Fluxuriös! Kunst und Anti-Kunst der 1960er bis 1990er Jahre“  ist im Dresdner Blockhaus noch bis 8.März zu sehen. www.skd.museum 

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VHILS alias Alexandre Farto begann schon mit 13 Jahren seine „Tags“ und „Stencils“ in seiner Lissaboner Heimat zu hinterlassen. Nach dem Studium an der Byam Shaw School, heute St. Martins College in Kensington, entwickelte er seinen ganz eigenen Stil.

Es ist ein Kratzen oder Herausmeißeln, eine Arbeit durch die Schichten an Wänden und Fassaden. VHILS sammelt quasi die Geschichte dieser Gebäude und ihrer Bewohner ein, und realisiert danach einen neuen Kontext. Unter dem Putz der Mauern liegen, in verschiedenen Tiefen, verschiedene Materialien verborgen, die verschiedene Farben haben können.

Dabei kann er ganz brachial mit Presslufthammer oder einer kontrollierten Sprengung vorgehen. Gerne nutzt er die Technik das Flachreliefs, damit gewinnen die Werke an Haptik und Dreidimensionalität.

„Man muss etwas zerstören, um Neues schaffen zu können“ ist die zentrale Idee von VHILS. Um das Jahr 2000 verliert er sein Interesse an der flüchtigen Qualität von Graffitis und wendet sich Werbeplakaten zu, der er übermalt und neu initiiert.  Um diese Werke stabiler zu machen, taucht er die Werbetafeln in Epoxidharz. Mit der Zeit und größerer Erfahrung wird dis Harzmasse immer dicker und es entstanden quasi Skulpturen, die den städtischen Raum mühelos überleben.

Im MUCA  sind 20 Jahre seines Schaffens zu sehen, es ist die erste Einzelausstellung des Portugiesen in Deutschland. 2016 wurde das MUCA von Christian und Stephanie UTZ gegründet und ist Deutschlands erstes Museum, das sich der urbanen zeitgenössischen Kunst widmet Mitten in München gelegen, in einem ehemaligen Umspannwerk besitzt das MUCA heute über 1200 Kunstwerke. Bis zum 1.März 2026  ist „Strata“ im MUCA zu sehen. www.muca.eu

Der perfekte Abschluss ist natürlich ein Lunch oder Abendessen im Mural, wo man sich, umgeben von Stencil Art. von den Ideen Bastian Falkenroths verzaubern lassen kann.  www.muralrestaurant.de 

Es ist ein Spaziergang wie in einem Zaubergarten. Fast immer ist man versucht, die Arbeiten mit den Händen zu berühren, dann man kann kaum glauben, was die Augen sehen. Aufgestellt, hingehängt, in eine Ecke platziert oder auf den Boden frappiert, unterstützt von einer raffinierten Raumarchitektur. Eine faszinierende Wirkung von Licht, Farbe und technischer Machbarkeit verbreiten eine große Emotion.

Future Horizons zeigt die Entwicklung des Studioglases, die ihre Anfänge in den 1960er Jahren in den USA hatte. Doch erst Europa gab dieser Kunstrichtung einen gewaltigen Schub, denn es ist die Heimat des traditionsreichen Handwerks der Glasbläser. Weg vom Glas als Gebrauchsgegenstand, hin zum zeitgenössischen Piece of Art. Kein Wunder, dass andere Kreative angelockt wurden, ihr Verständnis von Kunst in Glas zu realisieren.

Die Ausstellungsräume sind auf zwei Ebenen, im Erdgeschoß der Black Box überwiegen Schwarz und Silber während die erste Etage vor Farbe explodieren möchte. Ein schmaler magentafarbener Tisch scheint bis zum Horizont zu führen.

Erwin Eisch gehört zu den Pionieren,  geboren in eine niederbayrische Familie von Glasbläsern. Zusammen mit Harvey Littleton wurde er zum Begründer der Studioglas-Szene, die das Material Glas zum Kunstobjekt formte. Die Alexander Tutsek -Stiftung besitzt die größte Sammlung seiner Arbeiten aus verschiedenen Schaffensphasen.

Dale Chihuly aus dem Nordwesten der USA ist aktuell der wohl bekannteste Glaskünstler weltweit.  Er ist der Mitgründer der Pilchuck School, dem Aushängeschild für Glaskunst in den USA. Höchst ungewöhnliche Objekte sind sein Aushängeschild, die oftmals an die Grenzen des Machbaren stoßen. Wie Ende der 1990er Jahre als Chihuly nach Jerusalem eingeladen wurde und ein Jahr in der Zitadelle ausstellen konnte. Dafür entstand sein größtes Projekt, jene Zylinder von Mund geblasen, verziert mit massiven Stücken von Kristall.

Ganz anders ist die Annäherung von Mark Bradford an das Material Glas. Der Kalifornier hat die Tradition der venezianischen Glasbläserei mit einem sozialen Engagement verbunden. Bei Bradford ist es Glas aus Murano, während in einem venezianischen Gefängnis diese Taschen aus PVC hergestellt werden. Die  eingravierten Striche zeigen die Dauer der Inhaftierung an.

Wirklich verblüfft reagiert auf die blau-gläsernen Ziegelsteine von Pae White. In einer Ecke platziert, lockt das tiefe Blau die Blicke an und verweilt an einem Alltagsobjekt.

Die Künstlerin verwendet sehr feines Display – Glas, das als geformte Scherben perspektivisch geschichtet und angeordnet wurde. Es ist ein Spiel mit dem Licht und dem Blickwinkel.

Future Horizons ist bis zum 19.Juli in der Alexander Tutsek Stiftung zu sehen. Zum Jubiläum wurde  ein neuer Katalog „about glass“ vorgestellt, erschienen im Hirmer Verlag München.  Sehr informativ sind die Podcasts, der erste wurde am 9.Oktober online gestellt und berichtet über das Wirken von Dale Chihuly.  Auf der Website www.atstiftung.de  sind die zahlreichen Veranstaltungen zu ersehen.

Eine gelungene Idee angesichts der schmalen Gastroszene in diesem Viertel ist sicherlich der Lunchbreak, eine Führung über 20 Minuten, danach einen Snack.

In der westlichen Welt ist das 19. Jahrhundert ein Mekka der Geister, offensichtlich eine Flucht als Kontrapunkt zur Industrialisierung des Alltags. Da traf sich die feine Gesellschaft zu Séancen,  man sass an runden Tischen und fasste sich an den Händen. Auch der berühmte Thomas Mann hatte ein Ader für „Erscheinungen“ und ließ sich vom so genanten Geisterbaron, dem Arzt und Parapsychologen  Albert von Schrenck Notzing beeindrucken. Diese Erfahrungen fanden ihren Weg in den Roman „Der Zauberberg“, da konnte sein Hans Castorp in der Davoser Klinik letztendlich nicht widerstehen und wurde regelmässiger Gast bei den Séancen.

Leider weiß niemand, wie so ein Geist aussieht und da hilft Halloween auch nicht weiter. Aber jedermann glaubt, es müsse ein weißes Bettlaken sein, es muss dunkel sein, dazu Nebel, Kälte und ein mysteriöser Windhauch. Im Kunstmuseum sind zu diesem Thema 160 Arbeiten zu sehen, aber es bleibt immer ein Geheimnis.

Natürlich sind Geister eine willkommene Anregung für die Kunstszene, auch der belgische Surrealist René Magritte konnte dieser Materie nicht widerstehen und machte eine künstlerisch anspruchsvolle Figur daraus.

Allerdings bot die aufstrebende Fotografie ab 1830 ungeahnte Möglichkeit, dem Übernatürlichen näher zu kommen. Die Geisterfotografie wollte den direkten Kontakt mit dem Medien in Erinnerung behalten. So war 2024 eine Retrospektive des amerikanischen Künstlers Mike Kelley in Düsseldorf zu sehen, sein oftmals verstörendes Werk zählt die Szene zu den einflussreichsten Arbeiten seit den 1970er Jahren.

Doch so manche Spötter meinten, dass etwas mit dem Entwicklerbad nicht gestimmt hätte.

Schon als Kind hat William Blake Visionen, die seine Umwelt als höchst befremdlich empfindet. Doch die Aufnahme in die legendäre Royal Academy of Arts ermöglicht dem Außenseiter eine zielstrebige Karriere als Künstler. Als Exzentriker bekannt zu sein, bewahrt ihn auch vor den Folgen seiner politisch radikalen Ansichten. Eine späte Anerkennung erfährt er bei den Präraffaeliten und wird in der Popkultur verehrt.

Auch der aktuell omnipräsente Erwin Wurm kommt an dem Thema Geister nicht vorbei und immer hat seine Sozialkritik viel Charme.

Die Ausstellung „Geister – dem Übernatürlichen auf der Spur“  ist bis zum 8.März im Kunstmuseum Basel zu sehen. Ein originell gemachter Katalog im Magazinstil ist im Christoph Merian Verlag erschienen. www.kunstmuseumbasel.ch  

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Allerdings zieht das Gebäude, entworfen Ende der 1990er Jahre von Heinz Tesar, schon die Blicke auf sich und passt eigentlich wenig in seine biedere Umgebung.

Es war die Heimat der ambitionierten Sammlung Essl, die 2016 schließen musste und nun, acht Jahre später, von der Albertina als drittes Standbein weitergeführt wird. Ganz im Sinne der früheren Eigentümer widmet man sich hier der Kunst nach 1945, wobei etliches aus den zahlreichen Schenkungen der letzten Jahre zum ersten Mal  zu sehen ist.

Die Ausstellungen in Klosterneuburg stammen ausschließlich aus dem Bestand der Albertina. Die Eröffnung zeigt drei getrennte Themen mit „Pop Art – The bright Side of Life“ , dann  „Von Hundertwasser zu Kiefer“ und einen Schwerpunkt auf Skulptur mit „Die lädierte Welt“.  Spannend für jeden Nichtösterreicher sind Qualität und Menge an einheimischen Künstlern.

Das Museum ist von Donnerstag bis Sonntag 10-18 Uhr geöffnet. Die aktuelle Ausstellung ist bis zum 3.Oktober zu sehen. www.albertina.at   

Zur „Kunst der Gegenwart“ der Albertina ist ein Katalog erschienen.